Spaulding's blog - críticas de cine

Margaret Streep

2012-01-31T11:47:00.000+01:00

Phyllida Lloyd, la directora de Mamma Mia!, en La Dama de Hierro cuenta de nuevo con Meryl Streep para recrear en esta ocasión la biografía de Margaret Thatcher, la que ejerciera de Primera Ministra británica durante 11 años, desde 1979 a 1990, un periodo convulso en el que la mujer abogó por la anulación de los sindicatos y puso en marcha su férrea política conservadora.

Al igual que Clint Eastwood con J. Edgar, Phyllida Lloyd ha optado por la humanización del personaje más que por una crítica a sus erróneas y totalitarias políticas sociales. No amaga su carácter autoritario ni su desalmada posición ante ciertos conflictos; ni siquiera lo hace en lo que significaba su ámbito doméstico, en donde, sin ir más lejos, trataba a su propio esposo como si fuera un niño pequeño.

Interesada, ante todo, en mostrar la forja del carácter que caracterizó a Margaret Thatcher, ha encontrado en Meryl Streep al vehículo idóneo para dar vida a esa dama indulgente cuya prepotencia le valió la repulsa del pueblo británico e incluso de algunos de los miembros de su propio gabinete. La Streep está espléndida en el cuerpo de una Thatcher a la que ha sabido sustraerle todos sus tics y muecas, tanto en su edad mediana como en esa vejez totalmente senil en la que debe convivir con el fantasma de su esposo y los recuerdos personales y políticos. La actriz arrincona sus habituales recursos interpretativos y se mete de lleno en la personalidad de la llamada Dama de Hierro. O sea, ni se toca la nuca ni llora en exceso: sólo suelta una pequeña lagrimilla al tiempo que practica un extraño gesto labial idéntico al de su personaje en la vida real. Una Streep sublime, inmensa, a la que, en definitva, será imposible arrebatarle su casi cantado tercer Oscar.

De hecho, ella por si sola se convierte en el principal aliciente de la película (por no decir el único). Con su magnético trabajo, hace olvidar la endeblez de un guión que no termina de profundizar en temas que en su día levantaron ampollas. La Guerra de las Malvinas, los atentados terroristas, la huelga de hambre que llevaron a cabo miembros encarcelados del IRA y el NLA (Ejército Nacional de Liberación Irlandés), la huelga de la minería, las crispadas manifestaciones callejeras o la privatización de empresas públicas, son materias que, a pesar de ser citadas (en mayor o menor grado), a duras penas están tratadas con la seriedad que se merecerían.

Ese forma de pasar a “cámara rápida” por encima del material político, guste o no, le otorga al producto un agradable aire de frivolidad. No hay mal que por bien no venga: no aburre, tiene ritmo y sentido del humor. Y, a pesar de su afán por humanizar al personaje, deja bien claro que tras esa arbitraria mujer se escondía uno de los mandatarios europeos más odiados de la segunda mitad del siglo XX.

Love Story

2012-01-30T08:25:00.000+01:00

J. Edgar Hoover fue el director del FBI durante la friolera de 42 años, desde su nombramiento el 10 de mayo de 1924 hasta el día de su muerte, el 2 de mayo de 1972. Un personaje controvertido, anticomunista feroz y capaz de controlar la vida personal y sexual de todos cuantos le rodeaban. Ahora Clint Eastwood, con J. Edgar, da un repaso a su vida, obra y milagros a través de uno de los films (para mí) más decepcionantes y aburridos de su filmografía como director.

Más que una película sobre las acciones Edgar Hoover al frente del FBI se trata de una historia de amor entre éste y Clyde Tolson, el director asociado de la institución, así como un retrato de la enfermiza relación que Hoover sostuvo con su madre, una mujer dominante que se negó a aceptar la latente homosexualidad de su hijo.

La cinta se inicia con el dictado de las memorias de J. Edgar a un agente del FBI; memorias que servirán para que el realizador comience un viaje en el tiempo, a través de saltos hacia delante y atrás, con la finalidad de mostrar la vida del polémico personaje de quien, en su afán por humanizarlo, termina por suavizar (e incluso pasar por alto) ciertos episodios oscuros de sus largos cuarenta años al frente de la organización.

No esconde sus múltiples jugadas sucias, pero tampoco pone más leña al fuego. Sólo lo justo para que al espectador le quede claro que no se trataba de trigo limpio. El interés de Eastwood radica, ante todo, en retratar su mal asumida sexualidad y el distanciamiento que ello le produjo de la figura de una madre autoritaria. La lucha contra el crimen organizado, la caza de brujas, el estrecho cerco de vigilancia que ejercía sobre ciertos políticos y artistas o algunos de los casos policiales más sonados de su carrera (como el secuestro y asesinato del hijo de Lindbergh), no son más que meros detalles anecdóticos insertados a lo largo de un metraje abusivo de más dos horas y cuarto de duración.

Su deslavazada narración y la insistencia en sacar a flote su cara más humana, hacen de este un trabajo difícil de digerir. Y ello sin tener en cuenta el desastroso maquillaje usado para envejecer a sus protagonistas quienes, en algunos momentos (sobre todo el personaje de Clyde Tolson), se asemejan más a los muñecos de Spitting Image que a seres de carne y hueso.

Uno de los trabajos menos cautivadores de su director, del que tan sólo destacaría la impresionante labor interpretativa de un entregado Leonardo DiCaprio, su elaborada (aunque oscurísima) fotografía y la espléndida labor del departamento de dirección artística, capaz de plasmar de forma encomiable la estética y el estilo de cada una de las décadas que desfilan por el film.

El ausente

2012-01-27T07:21:00.003+01:00

La carrera de los Oscars empezó el pasado martes. Y, como siempre, un montón de títulos y nombres han quedado aparcados injustamente. Es lo que hay. Cada año el mismo déjà vu. Pero al menos, en esta ocasión (y aunque se trate de un montaje fotográfico), alguien se ha quejado por no haber recibido su jodida nominación.

Papá y sus increíbles hijas

2012-01-23T07:48:00.001+01:00

Siete años después de la (para mí) sobrevalorada Entre Copas, Alexander Payne, su director, regresa a las pantallas con Los Descendientes, un film compacto, emotivo y envolvente, protagonizado por un George Clooney fuera de serie. Un melodrama de tintes familiares ambientado en los (antes) exóticos paisajes de un Hawai en plena decadencia. Un trabajo capacitado para alzarse como una de las mejores propuestas en la carrera por el Oscar que está a punto de empezar.

Una tierras en herencia con las que negociar y la figura de una esposa en estado de coma irreversible tras sufrir un accidente, se convertirán en los dos puntales que hacen reaccionar a un marido que, con el paso de los años, se ha ido distanciando de su mujer y de sus dos hijas. Con el descubrimiento de un episodio oscuro en la vida de su pareja y contando con el apoyo de su hija mayor, decidirá matar fantasmas emocionales y enfrentarse a su propia existencia.

George Clooney es Matt King, ese hombre que está experimentando uno de los momento más trascendentes de su vida; un Clooney único y sobrio, sencillamente encantador. De oscar. La química que se establece entre su personaje y el de Alexandra, la hija mayor (excelente Shailene Woodley), es precisamente una de las claves de la película y, al mismo tiempo, el detonante que ayudará a Matt a plantear su futuro.

Una cinta conmovedora, de guión preciso y diálogos brillantes. Todo está en su sitio, calibrado para que funcione como un engranaje de precisión. Sensible y al mismo tiempo dotada de un peculiar sentido del humor, hurga en los sentimientos del espectador sin buscar robarle la lágrima fácil.

Narrada desde el muy particular punto de vista de Payne, aparte de profundizar en la relación del protagonista con sus dos hijas y en la persecución de éste por desvelar un enigma que le atormenta, Los Descendientes significa un irónico retrato actual de Hawai, un archipiélago que vivió tiempos mejores.

Súmenle a todo ello el desfile de un sinfín de personajes a cual más variopinto (muy Made in Payne) y un par de escenas de antología (como la del crispado primer monólogo de Clooney ante su mujer moribunda), y tendrán uno de los productos más vibrantes y redondos de este inicio del 2012. No se la pierdan.

La bestia

2012-01-19T10:45:00.000+01:00

El rostro que se esconde tras el título de esta carátula de deuvedé bien podría ser el de Pepe, ese descarnado jugador del Real Madrid, destroyer donde los haya, que a golpe de brutalidades se ha labrado su propia leyenda como uno de los mayores carniceros sobre los terrenos de juego europeos.

Ayer, para variar, en su casa y ante el Barça, volvió a liarla. Golpes, patadas, empujones, pisotones y un mucho de “teatro del bueno”. Todo un showman de la bestialidad más furibunda. Por favor, antes de que alguien salga perjudicado con su continuas y numerosas agresiones, sería conveniente que le retiraran para siempre del mundo del fútbol. Gentuza como él, en casita y a poder ser bien atados.

El gran carnaval(ito)

2012-01-17T08:57:00.000+01:00

Tras el delirio esperpéntico que supuso Balada Triste de Trompeta, Álex de la Iglesia vuelve a la carga con La Chispa de la Vida, otro tipo de desvarío, en esta ocasión más próximo a la tragicomedia y con demasiados (y sospechosos) puntos de contacto con una de las obras maestras de Billy Wilder, El Gran Carnaval.

De la Iglesia fusila la idea central de la película de Wilder y, partiendo de un hombre accidentado y en peligro de muerte, organiza todo un circo mediático a su alrededor. La prensa y las televisiones más sensacionalistas querrán alimentar su hambre carroñera a través de las miserias de un tipo a punto de extinguirse, así como de los sentimientos de sus seres más allegados. Al igual que en El Gran Carnaval, el espectáculo del morbo -en el que todo vale a excepción de la vida de la víctima- acaba de empezar.

No busquen más paralelismos con la película del director de El Crepúsculo de los Dioses. Mientras en ella todo cuadraba a la perfección y sus personajes estaban definidos al detalle, en La Chispa de la Vida el disparate y la ridiculez campan a su libre albedrío mediante un desfile imparable de caracteres a cuál más tópico y episódico: securatas cortos de entendederas, periodistas con espíritu de sicario, alcaldes corruptos, altos cargos sin escrúpulos... Vaya, una cabalgata de lo más variopinta, aunque totalmente vacía.

Una cinta coral (o, mejor dicho, construida entre y para los amiguitos), cargada de estereotipos, en donde lo único que funciona mínimamente es el prólogo antes del accidente, justo cuando el protagonista inicia la que será la jornada más complicada de su vida. José Mota, pese a sus limitaciones, tiene su gracia y, por derecho propio, acaba convirtiéndose en lo mejor de una función irritante, demasiado previsible, aburrida y en la que, para más INRI, Salma Hayek, con su exagerada interpretación y su deje mejicano, le otorga un tufillo a culebrón televisivo de baratijo que tumba de espaldas.

Qué lejos le quedan al realizador los tiempos de Acción Mutante o de La Comunidad, cuando aún tenía inspiración y hacía cine sin ínfulas de autor. Y es que no hay suficiente con ponerse serio para hacer una buena película.

Lisbeth Salander vista por Fincher

2012-01-13T09:33:00.000+01:00

Tras el éxito editorial que supuso la trilogía Millennium del desaparecido escritor sueco Stieg Larsson y su posterior adaptación cinematográfica (y televisiva) de la misma, era de esperar que Hollywood se sintiera atraído por llevar las historias del periodista Mikael Blomkvist y la hacker Lisbeth Salander a su terreno. En su primera tentativa lo ha hecho de la mejor manera posible al contar, para su realización, con David Fincher, uno de los directores actuales más prestigiosos y cuyo cine siempre se ha acercado a la maldad humana de una forma muy personal. No podía ser otro que el autor de Seven quien, tras dar una magistral lección sobre los siete pecados capitales, se aproximara a la malignidad que aún empaña el corazón de la vieja Europa. Millennium: Los Hombres Que No Amaban a las Mujeres es el resultado; una primera entrega de cuya trascendencia en taquilla dependerán los dos siguientes capítulos.

Al igual que en el film original de Niels Arden Oplev, Fincher se acerca a los misterios y secretos de una acomodada familia sueca a través de los ojos de un periodista caído en desgracia que es contratado por uno de los miembros del clan para esclarecer la desaparición de una sobrina suya acaecida 40 años antes. Una investigación ésta que realizará en compañía de una extraña joven especializada en piratería informática. Un film laberíntico en el que, aparte de revisar los demonios personales de la pareja protagonista, se acerca a los más recónditos rincones de una estirpe entre cuyos integrantes existe más de un adicto al nazismo.

Oscura y milimétrica, la cinta posee todas las virtudes del cine de su realizador, navegando entre la gelidez del ambiente geográfico y la calentura física que desprende su pareja protagonista, dos personajes a la deriva en busca de la verdad. Dos horas y media magnéticas, de guión mucho más pulido y sin los cabos sueltos que dañaban al título original. Al contrario que en ése, y sin dejar de lado la parte detectivesca, el nuevo Millennium se muestra más dispuesto a centrarse en la historia de amor surgida entre el casual dúo de investigadores, al tiempo que potencia al máximo el sugestivo personaje de Lisbeth Salander a través de una Rooney Mara espléndida, capaz con su interpretación (y transformación) de hacer olvidar por completo a Noomi Rapace, su predecesora.

La elección de Daniel Craig para dar vida al reportero protagonista es mucho más acertada que la de la película del 2009, en donde la insustancial presencia de Michael Nyqvist hacía muy difícil simpatizar con su rol. Craig segrega más adrenalina y, a pesar de resultar imposible dejar de pensar en cómo habría resuelto ciertos pasajes en la piel de 007, su aspecto y maneras dan mejor con el personaje, destilando al mismo tiempo una química excelente al lado de Rooney Mara.

Quizá flojee un tanto en la forma de acercarse a la resolución final de la intriga, aspecto que remonta con un curioso epílogo final mediante la figura de una solitaria Lisbeth Salander a la que empieza a moldear para posibles futuras entregas; una Salander que, en esta ocasión, brilla con luz propia, convirtiéndose en la verdadera alma mater de un lúcido remake en el que Fincher le ha otorgado su personal toque de sabiduría malévola y cinematográfica.

Toma el dinero y corre

2012-01-11T10:19:00.000+01:00

Rob Minkoff, el que antaño dirigiera El Rey León y los dos Stuart Little, se alía con los guionistas de Resacón en Las Vegas y su secuela (Jon Lucas y Scott Moore) para urdir Atraco Por Duplicado, una de las comedias más patéticas que últimamente me haya tirado en cara. Un doble atraco a un banco y un grupo de rehenes rebeldes son los principales ejes sobre los que gira su forzadísima trama.

Ya Woody Allen, a finales de los sesenta y en su primeriza Toma el Dinero Y Corre, en uno de sus gags recreaba la posibilidad de que dos bandas de atracadores robaran la misma entidad bancaria. Lo que Allen solucionaba de forma ingeniosa en un par de minutos, Rob Minkoff, que parte de la misma situación, lo hace en casi hora y media, complicando la situación hasta límites insospechados y con unos resultados ciertamente nefastos. No contento con esbozar una situación idéntica en su inicio, embrolla la trama de forma rocambolesca introduciendo la posibilidad de que el par de asaltos sean fruto de una conspiración urdida por un buscado cerebro criminal.

La comedia tontorrona está servida. Más cercana al humor que destilaban los hermanos Malasombra (en cuanto al dibujo de los integrantes de las dos bandas se refiere) que al del universo del realizador de Manhattan, Atraco Por Duplicado no es más que un desfile de personajes, a cual más estúpido y apayasado, interpretados por un grupo de actores que, a excepción de un cargante Patrick Dempsey, no habían cosechado demasiados éxitos durante los últimos años, tal y como sucede con Ashley Judd o (el televisivo) Jeffrey Tambor. La verdad es que da un poco de pena verlos ganándose las lentejas en esta especie de cementerio de los elefantes en donde la astracanada campa totalmente a sus anchas.

Recién estrenada la nueva entrega de Sherlock Holmes, lo único curioso del film estriba en descubrir que tras el personaje de Dempsey se esconde una especie de sosías del mítico detective creado por Conan Doyle: uno de los rehenes, necesitado de su medicación diaria para paliar una enfermedad psíquica que, en su alboroto, desarrolla una serie de aceleradas deducciones al más puro estilo Holmes que le conducirán a descubrir el oscuro (y grotesco) contubernio que ha atraído a dos bandas rivales hasta el mismo banco.

Una rotunda pérdida de tiempo que, a pesar del empeño puesto por parte del director y guionistas, no logró que esbozara ni una miserable sonrisa.

Demasiado elemental, mi querido Watson

2012-01-09T09:12:00.000+01:00

El primer Sherlock Holmes de Guy Ritchie sorprendió por el modo inteligente, divertido y modernizador de rescribir al mítico personaje ideado por Arthur Conan Doyle. La película, una comedia acelerada con toques de thriller y dotada de una dirección artística excelente, terminaba abierta a una secuela en la que, casi por obligación, tenía que aparecer el eterno enemigo del detective, el profesor James Moriarty. Sherlock Holmes: Juego de Sombras recupera a ese personaje y obliga a Holmes y a su ayudante el doctor Watson a seguirle las huellas para poner fin a una serie de atentados violentos que están convulsionando el pulso político y social de la Europa del siglo XIX.

De hecho, lo mejor de esta segunda entrega se encuentra en la forma en que un excelente Jared Harris afronta el papel del malvado Moriarty. Aunque su presencia es un tanto vista y no vista, a pesar del escaso tiempo que pasa ante la cámara se come con patatas a Robert Downey Jr. y a Jude Law. El primero, con su exacerbado histrionismo, convierte a Holmes en una indigesta caricatura, mientras que el segundo, aparte de soso, parece estar ausente totalmente de la nimia trama que le rodea. A ellos hay que añadirles las incorporaciones de Noomi Rapace quien, tras su éxito como Lisbeth Salander en la saga Millennium, demuestra estar fuera de órbita en su triste y olvidable rol de la gitana Madam Zimza, y la del poco aprovechado y excesivamente apayasado Stephen Fry dando vida a Microft Holmes, el hermano del detective.

La historia que plantea es mínima, de lo más básico, aunque Guy Ritchie se muestra como un gran especialista a la hora de complicar la propuesta. Por momentos, se enloquece con ese montaje sincopado habitual en su cine que no deja tiempo para asimilar cuanto se ve en escena, tal y como sucede con las imposibles deducciones del investigador, las cuales se convierten en una serie imparable y rocambolesca de imágenes difíciles de cazar al vuelo. Y cuando no, cuando la cosa parece tomar un ritmo más sosegado, apuesta por cargar su metraje (más de dos horas de proyección) con un sinfín de diálogos innecesarios y en extremo discursivos.

Planteada como una cinta más oscura y tenebrosa que su predecesora, es innegable que se muestra hábil con sus bien filmadas escenas de acción. Las hay de todo tipo y en todos los escenarios y, siendo fiel al aire satírico de la primera, intercala sus pinceladas de comedia, sobre todo en lo que hace referencia a la retorcida relación entre Holmes y su “querido” Watson. De todos modos, en esta ocasión, muchos (demasiados) de sus repiques humorísticos caen en el mayor de los ridículos, como sucede durante el cansino e inacabable episodio del tren en donde Robert Downey danza a su bola pintarrajeado y disfrazado de mujer.

Un film deslavazado, adornado con aventuritas varias que intentan darle cuerpo a un producto en el fondo muy básico y del que, a duras penas, se pueden destacar dos o tres escenas. Una de ellas es el vibrante y bien planteado duelo final entre Holmes y Moriarty ante una tabla de ajedrez; enfrentamiento que culmina en uno de los pocos pasajes basados directamente en el desenlace de una de las más controvertidas novelas de Conan Doyle sobre el detective. El resto no es más que un puro artificio para cubrir el expediente. Es de esperar que en próximas secuelas se dejen de tanta paja y vayan directamente al grano.

Dioses de tres al cuarto

2012-01-04T10:39:00.001+01:00

Mitología griega de baratillo y un sinfín de cromas abrumadoras conforman Immortals, el nuevo film de Tarsem Singh, el hindú que en su día nos aburrió soberanamente con La Celda y posteriormente sorprendió a propios y a extraños con la excelente The Fall (El Sueño de Alexandria). Ahora le toca irritarnos con una serie B disfrazada de gran producto, con héroes mitológicos, batallitas y efectos especiales por un tubo.

La verdad es que la historia que propone no da para mucho: ni la historia ni el guión co-escrito por Charley y Vlas Parlapanides; una trama en la que Teseo, un campesino que ha perdido la fe, será llamado por los Dioses para que termine con la furia del malévolo rey Hiperion, un tipo que se ha propuesto destruir a la Humanidad tras enfurruñarse con las deidades del Olimpo. Lo dicho: poca cosa y, para más INRI, muy poco atractiva.

Como el material que tiene entre manos no promete demasiado, el Tarsem Singh ha revestido los diálogos de su película (bastante ridículos, por cierto) de una profundidad tan pasmosa como falsa. Cada una de las frases que desgranan sus afectados protagonistas pretende ser de una solemnidad sin precedentes. No hay ni un solo enunciado que, en boca de sus intérpretes, no suene a rimbombante. Muchos parlamentos y muy poca acción… Y la poca que hay resulta de lo más patético, orquestando todas sus luchas mediante un montaje video-clipero que tumba de espaldas.

Por no acertar, el hombre ni ha dado en el clavo con su desatinado casting. Sus actores más jóvenes son de un almibarado tremendo: de ellos sólo cabe destacar la belleza indiscutible (que no la interpretación) de Freida Pinto y poca cosa más. De vejestorios, aprovecha la profesionalidad de John Hurt (quien tan sólo pasa por ahí) y el desmadre usual de Mickey Rourke quien, dando vida al sanguinario Hiperion, parece ser el único de todos ellos que se lo pasó en grande durante el rodaje.

Y todo ello sin citar su engorrosa estética, que resulta de una mezcla entre la también agobiante 300 y el más reciente remake de Furia de Titanes. O sea, cromas y más cromas, decorados de cartón piedra, efectos digitales a trapo y un vestuario que (sobre todo en el caso de los Dioses) parece robado de los camerinos de una de las revistas de Colsada.

Un despropósito en donde el romanticismo de la (casi inexistente) aventura ha sido suplido por la pretenciosidad artificiosa de sus pomposos diálogos y de su engorroso look visual. De haberlo visto un poco antes, a buen seguro hubiera figurado entre los 10 peores productos del 2011.

Recapitulando (y II): Lo más peor del 2011

2011-12-31T23:19:00.000+01:00

Al filo de la medianoche y antes de que se atraganten con la ingesta acelerada de las 12 uvas de rigor, les dejó con lo prometido: las 10 peores películas del 2011. Hay algunos títulos que, a buen seguro, levantarán ampollas y crearán controversia. Personalmente les puedo asegurar que todos ellos, cada uno en su estilo, me parecieron irritablemente insufribles. Como siempre, numerados a la inversa, del 10 al 1. De lo peor a lo más hediondo.

Empieza la cuenta atrás…

10.- The Green Hornet. Una sátira de lo más burdo sobre la serie televisiva homónima que, en los sesenta, popularizará a la figura de Bruce Lee en los EE.UU. y que antes, en los años 30, había sido un serial radiofónico. Una animalada sin pies ni cabeza. Debido a este film de un Michel Gondry en horas bajas, Britt Reid y su ayudante Kato ya tienen su rinconcito basura dentro del Séptimo Arte. El guión brilla por su ausencia y su trama pseudopoliciaca junto con sus descontroladas y nada atractivas escenas de acción, resulta de lo más ridículo. Nada; que no hay nada más allá de los ademanes y la voz altisonante del cargante Seth Rogen, de las hostias marciales de su comparsa nipón o de los chutes de botox de una siliconada Cameron Díaz ejerciendo de mujer florero. El vacío total; la gran chorrada. Como un nuevo Batman, pero en patético y en forzadísimo 3D.

9.- Cowboys & Aliens. Básica, básica, básica... una cinta que no va más allá de su propio título: vaqueros y extraterrestres. Un amplio y a priori atractivo casting al servicio de la nada absoluta. Su inicio es el típico y tópico del western de toda la vida, con forastero incluido en medio de un pueblucho en el que no se siente bien acogido. De repente, cuando los guiños al cine del oeste se han agotado, la cosa da un giro y entran en escena un montón de naves extraterrestres que se dedican a secuestrar a los habitantes del lugar. Muchos efectos especiales y ninguna consistencia argumental. Los personajes deambulan por la pantalla sin entidad ni vergüenza alguna: el Daniel Craig de machote amnésico y el Harrison Ford de abuelito machote. Lo único que llevaba entre ceja y ceja el Jon Favreau, su director, era aglutinar los tics de uno y otro género y agitarlos como si se tratara de un cocktail. Ahora unos indios por aquí, ahora unos alienígenas por allá. De historia nada, cero. John Ford, ante tamaña marcianada, alucinaría pepinillos.

8.- Larry Crowne, Nunca Es Tarde. Tom Hanks delante y detrás de la cámara para endilgarnos una de las comedias más vacías e inconsistentes de los últimos años. De partenaire, Julia Roberts y su gran dentadura. Y todo ello para contar la historia de un tío solitario y un pelín cortito de entendederas que, tras ser despedido de los almacenes en los que trabaja, se apunta a la universidad, se compra una Vespa y se enrolla a su borrachina profesora. Forrest Gump se hace motero y se lo monta con la sonrisa de Monalisa. El Hanks está de un revulsivo que tumba de espaldas, mientras que la Roberts a duras penas sale intacta de uno de los papeles más estereotipados de su carrera. Una especie de telefilm de sobremesa producido con la única intención de cubrir el expediente. Previsible y cursi; ni hace gracia, ni emociona. A los de Tráfico tampoco les debió gustar mucho, pues le endilgaron una multa a la distribuidora por salir los dos protagonistas en el cartel promocional montados en una moto y sin el casco reglamentario. Simple y llanamente, caca de la vaca... la película y las ansias que tienen en Tráfico por llenar sus arcas.

7.- El Árbol De La Vida. Terrence Malick, haciendo gala de su fama de tipo extraño, ha urdido un tostón de película tras la que, aprovechando el retrato de una familia tejana de los años 50 compuesta por un matrimonio y tres hijos, se esconde un abusivo dechado de teología de mercadillo mezclado con unas gotas visuales a lo National Geographic. En primer plano, una única idea: Dios existe, es bueno y no nos saca el ojo de encima. En segundo plano, como reclamo comercial a tanta colgada, Brad Pitt sobreactuando y metiendo cara de subnormal. La cinta habla un poco de todo: de la muerte, de la naturaleza, del hombre, de la Tierra, del amor, del odio, de los celos y, ante todo, de la eterna lucha entre el bien y el mal. Siempre en abstracto. En el fondo, no ofrece nada nuevo; otros cineastas, menos petulantes y de forma más abierta, han contado historias similares, sin aburrir y con mejores resultados. Pero él, Malik, es diferente, pues lleva el sello de autor grabado en la frente: la licencia definitiva para soltarse un pedo en público y que los entendidos le alaben su olorcillo. Es más, en Cannes, aturdidos por el tufillo (existencial), le premiaron con la Palma de Oro.

6.- No Lo Llames Amor… Llámalo X. O cómo construir una comedia coral con el menor esfuerzo posible. El truco se basa en trasladar el espíritu y estilo de las múltiples y ya cansinas televisivas sitcoms españolas a la gran pantalla. El resultado, por supuesto, es nefasto. La inclusión de cuatro caras conocidas por los espectadores, un par de chistes verdes, unas cuantas alusiones políticas y un mucho de muslamen (sin pasarse nunca de la raya), no es suficiente para urdir una buena trama. Es como una regresión a los tiempos de Mariano Ozores pero aún en más desastroso, pues la propuesta de juntar el cine pornográfico con la Guerra Civil, a pesar de su atrevimiento formal, se queda en una sátira de lo más blanco y lamentable. Que pena da ver a una gran dama como Adriana Ozores metida en un berenjenal como éste. Si el maestro Berlanga levantara la cabeza...

5.- Caperucita Roja, ¿A Qué Tienes Miedo? Si Catherine Hardwicke no tenía suficiente convirtiendo a los vampiros en sonrosados teenagers enamoradizos (por algo fue la responsable del primer Crepúsculo), ahora la ha tomado con la pobre Caperucita Roja a través de un largometraje, con forma de video-clip y colores parchís, en el que mezcla licantropía con valores morales para adolescentes. Una mescolanza que tumba de espaldas: algo huele a podrido en la aldea de Caperucita. Aburrida, sin ritmo alguno, exenta de gancho y sin personalidad. Una especie de culebrón sin estilo, destinado a niñas endebles, en el que Amanda Seyfried, a pesar de lucir esos grandes ojazos que posee, sigue demostrando que eso de la interpretación le viene muy grande. Aquí, lo único que hace miedo es el desmelene con que afronta el papel de malo maloso un Gary Oldman más pasado de rosca que nunca. A tropecientos mil años luz de la ochentera En Compañía de Lobos: eso sí que era enfrentarse al cuento de Caperucita con un par.

4.- El Estudiante. Por suerte para su salud mental, este film se estrenó en poquísima salas y pasó un poco de tapadillo. No saben lo que se han ahorrado. Dirigida por el mejicano Roberto Girault, se centra en las experiencias de un jubilado quijotesco de setenta años que decide matricularse en la Universidad de Guanajuato. Lo que engañosamente se inicia como una comedia afable y entretenida, no es más que una argamasa explosiva compuesta de unas gotas de moralina y un mucho de cristianismo exacerbado. Una crítica desaforada sobre la pérdida de valores de la juventud actual que, por su tono reaccionario, parece haber sido escrita por integrantes de la ultraderecha. Su postura antiabortista o la negación rotunda a las relaciones sexuales prematrimoniales, son sólo un par de los múltiples temas que plantea. Alcohol, drogas y demás vicios, por descontado que empezarán a ser erradicados del campus de Guanajuato gracias a los sabios consejos evangelizadores del Chano, el anciano protagonista. Por su moralina discursiva, más que una película se me antoja todo un panfleto envenenado; un manual de buenos modales de aquellos que, durante el franquismo, eran de aprendizaje obligatorio en las escuelas. Hay cosas que, a mis cincuenta y tantos, me superan ampliamente; y ésta es una de ellas.

3.- Capitán Trueno y El Santo Grial. Tantos años hablando de llevar al cine las viñetas de Víctor Mora, para acabar endilgándonos un subproducto cuya visión hace sentir vergüenza ajena. Un film desfasado e incapaz de hacer vibrar al espectador con las aventuras (o, mejor dicho, aventurilla) del mítico capitán Trueno y sus comparsas. Mal narrado (su guión es un puro caos) y repleto de diálogos y situaciones imposibles, es la clara constatación de que su director, Antonio Hernández, estaba completamente perdido en medio de una historia que le venía demasiado grande. Para más desgracia, su casting es todo un poema al desacierto. Es más, ante la falsa impostura con la cual entonan sus frases todos los actores (del primero al último), uno diría que se trata de una simple troupe de aficionados intentando dar cuerpo a uno de los tebeos del maestro Mora. Siempre me quedaré con las ganas de saber como hubiera sido la visión de Juanma Bajo Ulloa sobre el héroe español por antonomasia de las Cruzadas. A buen seguro, le habría dado un toquecito pulp que en la versión de Hernández brilla por su ausencia.

2.- El Último Verano. Jacques Rivette es el maestro de los peñazos, el ídolo de los gafapastas. Empeñado en seguir con sus historias aburridas y adornadas con toques intelectualoides y pedantillos, se adentra en el interior de un patético circo ambulante en el que un par de equilibristas y tres payasos reconcomidos que se pasan el puto día representando y ensayando el mismo número. En primer plano, y como plato fuerte de la función, la relación que se establece entre una solitaria y torturada Jane Birkin y el Sergio Castellitto. La primera, aunque amargada, sigue con el circo por razones familiares, mientras que el segundo no es más que un italiano, también solitario, que pasaba por ahí y se queda prendado de las arrugas de ella. Una película en la que no pasa absolutamente nada de nada, aunque todo en ella sea de lo más bucólico y silvestre. Lenta a matar. Escenas que se repiten una y otra vez, como el sketch de los payasos depresivos o las absurdas conversaciones (o no conversaciones) del Castellitto con el resto de los integrantes del circo. Miradas, silencios y cantidad de situaciones y diálogos para besugos. La naturalidad en los actores es nula: ¡Viva la teatralidad! El sonido de los grillos, de fondo, que no falte. Cuatro encuadres básicos y un mucho de experimentación al servicio de una gran tomadura de pelo. A todo le llaman cine... e inclusive poesía.

1.- Una Mujer En África. La primera película de la realizadora francesa Claire Denis estrenada en España. Y espero que, vistos los resultados, sea la primera y la última. La cinta plantea el caso de una mujer occidental que regenta una plantación de café en un lugar inconcreto de África y que, ante los primeros disparos del ejército para restablecer el orden en el país, decidirá quedarse al pie de su negocio. Una gafapastada innombrable y pésimamente explicada, en la que Isabelle Huppert da muestras de su vertiente más histriónica hasta límites ciertamente agotadores, mientras que la directora usa y abusa de elipsis narrativas insertadas sin venir a cuento y de un patético montaje que hace imposible discernir que narices sucede en pantalla. Ya no estoy hecho para leer entre líneas. Al pan, pan y al vino, vino. Lo demás son fantasmadas que sólo sirven para conseguir el aplauso de cuatro enteradillos que van al cine a ponerse medallas. Y si sale la plasta de la Huppert, todos en pie y a fichar. ¡Vaya tostón!

Feliz 2012 a todos ustedes (menos a los que ya saben, que ellos se encargarán de jodérnoslo)

Recapitulando (I): Lo más mejor del 2011

2011-12-30T13:16:00.000+01:00

Como cada año por estas fechas toca dar un repaso a lo mejor de la temporada, remarcando los diez títulos que, en general, más me han cautivado. He de decir que la elección ha sido difícil, por lo cual se han quedado en el tintero excelentes películas como el Tintín de Spielberg, Melancolía de Von Trier o La Conspiración de Robert Redford, entre otras muchas, incluida Piraña 3D, uno de los productos más gamberros y atrevidos del 2011.

Al igual que en ocasiones anteriores, irán numeradas de lo mejor hasta lo más mejor. O sea, del 10 al 1.

10.- El Hombre de al Lado. Un melodrama sorprendente, con pinceladas de comedia altamente cínica y dotado de un aire a lo thriller psicológico. La cinta, dirigida al alimón por los argentinos Mariano Cohn y Gastón Duprat, plantea una historia de mal rollo entre dos vecinos que se ven enfrentados por la construcción de una nueva ventana en el domicilio de uno de ellos. Un par de personajes antagónicos -un diseñador moderniqui y un chuleta sin oficio ni beneficio-, al servicio de un minimalismo estético y narrativo que, por su originalidad, acaba atrapando al espectador. Largos silencios, sonoros mazazos y un sinfín de miradas amenazadoras, ayudan a crear una de las atmósferas más asfixiantes de la temporada. Un curioso ejemplo de como, a partir de un minúsculo grano de arena, se acaba creando una montaña gigantesca. Y, de propina, dos interpretaciones mayúsculas: las de Rafael Spregelburd (el pijo engreído pirrado por las formas de Le Corbusier) y Daniel Aráoz (el quincorro amenazador). Atención porque, en el fondo, nada es lo que parece.

9.- El Mundo Según Barney. Una excelente comedia, de claros tintes melodramáticos, que pasó un tanto sin pena ni gloria por la cartelera española. Dirigida por Richard J. Lewis (un hombre formado en el ámbito televisivo), narra la vida de un estresado productor televisivo, desde sus inicios en el mundo de la farándula hasta sus últimos días aquejado de Alzhéimer. Un trabajo divertido y conmovedor a partes iguales, en el que cabe destacar la espléndida interpretación de Paul Giamatti metido en la piel de Barney Panofsky, un tipo corriente, ni bueno, ni malo, aunque sí muy obsesivo, que ha pasado por la Tierra consumiendo tres matrimonios y convirtiéndose en el principal sospechoso del asesinato de uno de sus mejores amigos. Atención a la presencia de un supremo Dustin Hoffman en el rol de un policía jubilado y padre de Barney: sencillamente insuperable. No puedo negar que la emotividad de su recta final me provocó unas cuantas lagrimillas.

8.- Winter’s Bone. Una historia dura y triste, muy triste, a veces escalofriante. Escenarios grises, en los que la suciedad y la dejadez campan a su aire, plagados de personajes desarraigados, incultos y salvajes, como la propia naturaleza que les rodea. La América profunda no es moco de pavo y Debra Granik, su directora, retrata ese microcosmos enfermizo con una frialdad rotunda y a través de la historia de una niña de 17 años que deberá hacerse cargo de sus dos hermanos menores y de su madre enferma tras la desaparición de su padre, un hombre que siempre salió adelante a base de trapicheos, tráfico y cocinado de drogas incluido. Un thriller melodramático, agónico y estremecedor que se acerca a los habitantes de una tierra que se rigen por sus propias normas. Una mafia distinta a la que el cine y la televisión nos han mostrado a lo largo de los años y, en la cual, la ley del silencio es su precepto sagrado. Una cinta desgarradora, de clanes familiares no declarados y con demasiados lazos sanguíneos entremezclados, en donde el miedo y la inseguridad campan a su aire. Una pequeña joya del cine independiente en la que destaca la labor de su protagonista femenina, la jovencísima y sorprendente Jennifer Lawrence.

7.- Un Dios Salvaje. Si el año pasado Roman Polanski ya estuvo con El Escritor entre las 10 mejores de Spaulding’s Blog, en esta ocasión repite con un trabajo mucho más cerrado y hermético. Filmada entre las cuatro (teóricas) paredes de un apartamento neoyorquino, la película relata, en tiempo real, el encuentro de dos matrimonios para hablar de la pelea callejera que ha enfrentado a sus dos hijos. Una comedia caustica y visceral tras la que se esconde una disección de las debilidades del ser humano. Un enfrentamiento a dos bandas que, a pesar de significar un drama tremendo, provoca la hilaridad del público gracias a sus espléndidos diálogos y a la labor de sus cuatro insuperables protagonistas, a cual mejor. Una mirada atroz y con un sentido del humor diabólico hacia una sociedad cansada y estresada. Polanski sigue estando en estado de gracia.

6.- El Demonio Bajo La Piel. Una de las propuestas más radicales, en cuanto a violencia se refiere, del año 2011. Basada en la novela de Jim Thompson The Killer Inside Me, la cinta se centra en el personaje de Lou Ford, el joven ayudante del sheriff de una pequeña población tejana convertido en un sanguinario criminal. La perfecta recreación del Texas de los años 50, la magnífica interpretación de un Casey Affleck metido en un papel que rompe moldes con respecto a su carrera anterior y la sorprendente presencia de una insinuante Jessica Alba, son sólo algunos de los detalles que lo convierten en un producto ciertamente notable. Súmenle a ello un par de pasajes totalmente descarnados (aunque muy acordes con el universo literario de Thompson), un poco de delirio narrativo y un mucho de cine negro en estado puro. La bestialidad está servida. Ahora tan sólo es cuestión de racionalizarla y descubrir los paralelismos que plantea Michael Winterbottom, su director, con el mundo del polémico David Lynch.

5.- No Habrá Paz Para Los Malvados. A pesar de no haber sido un buen año para el cine español, Enrique Urbizu ha conseguido uno de sus trabajos más brillantes y cáusticos tras la memorable La Caja 507. Al igual que en ésta, de un hecho aislado se pasa a un entramado mucho más oscuro y peligroso. Sólo es cuestión de abrir la caja de Pandora y dejar que asomen los truenos. Para ello el director vasco cuenta con el personaje de Santos Trinidad, un policía cincuentón, quemado en su profesión y en su vida privada, que durante una noche de borrachera acaba con la vida de tres personas en un puticlub y que, en cuyo afán por borrar las pistas del crimen, dará sin proponérselo con un asunto que podría hacer peligrar la seguridad nacional. Un guión preciso, sin lagunas: no muestra del todo sus cartas; incluso oculta algunas, dejando que el espectador las intuya y las descubra por sí mismo. José Coronado, al igual que en La Caja 507, está que se sale. Atención a la sangría inicial, a los tres últimos (y escalofriantes) planos consecutivos y al montón de inquietantes paralelismos sugeridos con el 11-M. Cine más negro que este, imposible.

4.- El Origen Del Planeta De Los Simios. Para romper con las zetosas secuelas, una olvidable serie televisiva y el patético remake de Tim Burton provocados por El Planeta de los Simios (hoy en día considerado un clásico indiscutible), Rupert Wyatt ha optado por una magnética trama que dé explicación a los interrogantes que se planteaba el personaje de Charlton Heston en la magistral escena final del film de Franklin J. Schaffner de 1968. Para desvelar tales enigmas, recurre a la experimentación farmacológica abusiva con chimpancés, al maltrato que algunos humanos infligen a estos animales y a la existencia de un simio dotado de una inteligencia superior y cierto poder de liderazgo entre los suyos. Todo ello bien cocinado y revuelto para que se arme la consecuente marimorena. Un producto elegante, divertido e ingeniosamente respetuoso (a través de un sinfín de guiños) con sus predecesores cinematográficos. Un loable trabajo que consigue entretener a las plateas sin decepcionar en absoluto y que, conjugando a la perfección los efectos digitales con la acción, logra que el espectador enfatice a la perfección con César, el chimpancé protagonista tras el que se esconde la figura de Andy Serkis, el mismo actor que recientemente se ha metido bajo la piel del capitán Haddock. Una monada de película, vaya.

3.- The Artist. Un delicioso homenaje al cine mudo y, por extensión, al nacimiento del cine sonoro, a través de una historia de amor entre un famoso actor y una nueva estrella en plena subida de popularidad. Dirigida por el francés Michael Hazanavicius, el hombre demuestra tener agallas al tomar la decisión de rodar en pleno siglo XXI una película muda y en radiante blanco y negro para rendir tributo a Hollywood y a una época en concreto de la Meca del cine, utilizando para ello la tecnología actual sin copiar la caligrafía cinematográfica de entonces. Se acerca de modo cariñoso a sus dos personajes principales, al tiempo que los arropa musicalmente a través de su flamante banda sonora, el tercer gran protagonista del film. Una mezcla de comedia y melodrama que, amparándose en un sinfín de inteligentes guiños cinéfilos, potencia el trabajo de Jean Dujardin y Bérénice Bejo, dos actores que dan el pego como comediantes de esos tiempos al amoldarse a la perfección a una interpretación más física y extremadamente expresiva que la actual. Un modélico e indispensable canto de amor al nacimiento del Séptimo Arte.

2.- Drive. Justo recién estrenado esta semana, se trata de un título que pude disfrutar con anterioridad en la última edición del Festival de Sitges. Un thriller muy en la línea de los que se realizaban en los años 70. Un producto duro y compacto que retrata los avatares que sufrirá un experto conductor tras colaborar en un atraco que finaliza de la peor manera posible. Un guión de envergadura, narrado con pausa y aderezado con febriles y contundentes golpes de violencia, envuelve a la meticulosa dirección del holandés Nicolas Winding Refn. Atención a sus escenas de acción (encomiable la manera clásica y sin aspavientos de acercarse a las persecuciones automovilísticas) y a la modélica interpretación de su protagonista principal, Ryan Gosling, secundado a la perfección por gente como Carey Mulligan o Ron Perlman. Cine negro del de toda la vida, con mafias chungas y un héroe con visos de perdedor. Para no perderse ni un solo detalle.

1.- 13 Asesinos. La última cinta de Takashi Miike estrenada en España se trata, en realidad, de un remake de un viejo film de Eiichi Kudo de 1963 tras el que se esconde un gran homenaje al cine clásico de acción de toda la vida y, en particular, a Los Siete Samuráis de Akira Kurosawa. La épica de la batalla y el romanticismo de la aventura unidos a través de una narrativa tan academicista que es inevitable, durante su visionado, pensar en gente como John Ford o el citado Akira Kurosawa. Por suerte, en esta ocasión el realizador nipón deja a un lado su faceta más iconoclasta y nos obsequia con una ración de gran cine; de CINE en letras mayúsculas. Para ello, ambienta la historia en el Japón feudal y se centra en la figura de un samurái que ha sido convocado por sus superiores para acabar con la vida del violento y ruin hermanastro del actual Shogun, un tipo sin escrúpulos, posible sucesor en el poder, cuyos actos violentos e injustificados pudieran terminar con la paz del país. Una primera parte sosegada y tranquila, primordialmente descriptiva, da paso a los 45 minutos finales más febriles de la historia del cine, a través de una brutal batalla campal en la que 13 samuráis pelearán contra un ejército de 300 hombres. Una lucha sin tregua que no deja títere con cabeza ni cede tiempo al aburrimiento; un delirio visual, de ritmo endiablado y filmado de forma magistral, en donde la coreografía y el montaje cobran un protagonismo esencial. Para sacarse el sombrero.

En un próximo post, las 10 peores del 2011.

A la chita callando

2011-12-28T11:40:00.000+01:00

En realidad atendía por el nombre de Jiggs. Lo de “mona Chita” fue una invención española para bautizar al simio que acompañaba a Tarzán Weismüller en todas sus aventuras (a excepción de la primera, pues en ella fue otro mono quien dio vida a Chita). Y es más, en España no sólo le remplazamos el patronímico; incluso nos atrevimos a cambiarle el sexo, ya que era un simio varón: lo travestimos de mono a mona.

Ayer, a los 79 años de edad y tras figurar en el Libro Guinnes de los Récords por tratarse del simio más longevo del mundo, nos abandonó a causa de una insuficiencia renal, no sin antes haber sobrevivido a sus compañeros de reparto.

De Maureen O’Sullivan, la actriz que interpretara a Jane, se cuenta que su relación con la mona era más que imposible. De hecho, cada vez que se refería a ella lo hacía como “ese mono hijo de puta”…

Descanse en paz esa mona entrañable a la cual, personalmente, valoraba y tenía en más alta estima que a muchos de los altos cargos y mandatarios de la política actual quienes, a la chita callando, nos la van metiendo hasta el fondo y sin vaselina.

El sótano del miedo

2011-12-28T08:40:00.000+01:00

Guillermo del Toro produce, escribe (en compañía de Matthew Robbins) y apadrina No Tengas Miedo a la Oscuridad, el remake de un viejo telefilm de los años 70 que supone, al mismo tiempo, el debut tras la cámara de Troy Nixey, un joven que, vistos los (poco originales) resultados obtenidos, se ha dejado llevar un tanto por los designios del realizador de El Laberinto del Fauno quien, en ciertos momentos y sin venir mucho a cuento, se autohomenajea a través del título referenciado, sobre todo en aquellas escenas en las que la niña protagonista visita el jardín (y el laberinto) de la vieja mansión en donde habita.

La película es mínima; tan mínima que uno sale del cine con la sensación de haber asistido a un visto y no visto, de aquellos que la memoria borra ipso facto del disco duro. Nada nuevo ofrece al género de terror y, mucho menos, al de casas encantadas y habitadas por monstruitos tocacojones. La historia plantea la existencia de un viejo caserón en cuyo sótano anida un grupo de minúsculas criaturas que se alimenta de dientes y huesos de niños pequeños. Y, ¡cómo no!, a esa residencia llegarán Alex y Kim, una pareja de restauradores acompañados de Sally, la hija del primero, una chiquilla conflictiva y solitaria marcada por el divorcio de sus padres quien, tras descubrir la existencia de los hambrientos seres, creerá haber encontrado en ellos a los amigos que nunca ha tenido.

Troy Nixey busca en todo momento dotar a la cinta de ese toque gótico que siempre ha prevalecido en el cine de Guillermo del Toro. Pero, a pesar de estar subliminalmente presente, nunca aparece por completo. Incapaz de crear una atmósfera tensa y terrorífica mediante su (pobre) guión, apuesta directamente por la truculencia, llenando su metraje de golpes de efecto, ante todo a través de su banda sonora. Y es que difícilmente pueda atemorizar mucho tratándose de una película en la que su desvalida niña protagonista, Bailee Madison (rara, rara, rara), resulta más inquietante que las criaturas que la acosan.

La verdad es que en muy poco ayudan a esbozar un clima mínimamente tormentoso el poco énfasis con que afrontan sus respectivos papeles Guy Pearce y Katie Holmes, el padre y la madrastra de la mozuela. Ni el uno ni la otra parecen moverse a gusto en sus roles, afrontando sus interpretaciones con una desgana absoluta, como si no creyeran ni un ápice en el cometido que les ha tocado representar.

Más de lo de siempre, aunque sin énfasis y con la rutinaria misión de cubrir el expediente. Suerte del (curioso) diseño de las criaturas fastidiosas, una mezcla entre roedor y ser humano en miniatura que, por derecho propio, se convierten en lo mejor de un producto destinado al olvido. No pierdan el tiempo.

Pesadilla antes de Navidad

2011-12-27T08:33:00.000+01:00

Rare Exports: Un Cuento Gamberro de Navidad se alzó con los premios de mejor película, dirección y fotografía en la penúltima edición del Festival de Cine Fantástico de Sitges. Realizada por Jalmari Helander, se trata de una producción finlandesa que, basándose en un par de cortometrajes anteriores del propio director, entra a saco en la cara más oscura y siniestra de la Navidad, presentado a Santa Claus como a un ser distinto y monstruoso alejado totalmente del icono popularizado por Coca-Cola.

La película parte de las excavaciones que un grupo de expertos realizan en la cima de un monte enclavado en un nevado valle del norte de Finlandia. Faltan pocos días para la Navidad y su intención es localizar un gigantesco bloque de hielo en cuyo interior está congelado el verdadero Papá Noel. La inquieta mirada de dos muchachos del lugar controlan desde lejos los trabajos del equipo. Las sospechas de ambos –sobre todo las del más pequeño-, acabarán por confirmar sus temores: el único e incomparable Santa está a punto de regresar a la vida… aunque no es tan bueno como lo pinta la leyenda: sus ansias de azotar y zamparse a los niños podría desencadenar el inicio de una fatídica pesadilla navideña.

Narrada desde el punto de vista del pequeño y atemorizado Pietari (excelente Onni Tommila), e incluso, en su tramo final, convirtiéndole en un héroe de acción al más puro estilo de los interpretados por Bruce Willis, Rare Exports sitúa en una mera situación de comparsas a los adultos que le rodean. Potencia los miedos del joven Pietari y, a través de ellos, antes del (un poco precipitado) asalto final, construye una atípica intriga llena de pasajes inquietantes y sobrecogedores.

Caracterizada, ante todo, por el dominio del humor negro que emana de sus imágenes (en este aspecto, la detención y posterior interrogatorio de un elfo malherido no tiene desperdicio alguno), Helander logra componer una historia extraña y magnética revestida de un mayúsculo sentido de lo grotesco. Así, centenares de duendecillos vejestorios, en pelota picada y corriendo por los helados paisajes finlandeses o la presencia (nunca mostrada directamente) de un gigantesco y cornudo Santa Claus enterrado en un descomunal bloque de hielo, cobran una dimensión especial absolutamente chocante.

Una visión distinta de la Navidad que, procedente de una filmografía no muy divulgada por estos lares, llega a las pantallas de nuestro país con un retraso considerable. Estrambótica y visualmente atractiva, la película falla, sin embargo, en su desinflado clímax final, el cual no acompaña del todo al exotismo general que le precede. Aún y así, se trata de un film por cuya extravagancia se merece un voto de confianza.

Demasiados señores Scrooge...

2011-12-24T09:16:00.002+01:00

Spaulding les desea a todos ustedes unas felices fiestas, a excepción de aquellos que han hecho de éstas una de las Navidades más miserables en tiempos. O sea: el gobierno de la Generalitat de Catalunya (el fascismo con barretina); Aznar y su puta burbuja inmobiliaria; Millet (pillet), su familia y socios; Urdangarín y familia real; el valenciano de los trajes y el de los bigotes; la banca en toda su extensión; el dúo dinámico compuesto por la Merkel y el gabacho de mierda; la corruptela mallorquina; las bufandas de los altos cargos; el Senado; especuladores varios y la bazofia esa del canalillo televisivo que tiene como anagrama un torete. A todos ellos, que les parta un rayo.

P.D.: ¿Algún hijoputa más?... No se corten.

Destrozando a Peckinpah

2011-12-23T09:16:00.000+01:00

En 1971 Sam Peckinpah realizó Perros de Paja, un film de inusitada violencia visceral, dotado de un intenso crescendo dramático, en el que se mostraba a una pareja en crisis que debía enfrentarse a un grupo de palurdos que les sitiaban en el interior de su solitario y apartado caserón. Toda una experiencia cinematográfica, llena de guiños al mundo del western, de la cual se habló extensamente desde este blog hace unos cuatro años. Justo el viernes pasado se estrenaba en España un remake de la cinta realizado por Rod Lurie, un realizador del montón que ha sido incapaz de imprimirle a la historia la mala leche y el mal rollito que desprendía el trabajo original.

Perros de Paja es también el título de la infortunada fotocopia de Lurie; una fotocopia que por el camino ha perdido los matices más oscuros y descarnados de la obra de Peckinpah. Lo políticamente correcto y el sentido del puritanismo es lo que más impera en esta revisión: o bien suavizando ciertos pasajes (como el de la violación) o apostando por un final más estándar y edulcorado. Excusa (y por momentos, hasta esconde) ciertos actos del personaje de la esposa, al tiempo que se muestra totalmente ineficaz a la hora de dibujar el carácter de todos sus personajes. Por supuesto, ese regusto a western que se intuía en la película original ha desaparecido por completo, mostrándose tan sólo un poco respetuoso con la carnicería que precede a su desenlace, aunque recurriendo para ello a la excesiva digitalización de sus efectos especiales.

Si Dustin Hoffman y una impresionante Susan George exhibían una química más que eléctrica entre ellos, no sucede lo mismo con James Marsden y Kate Bosword, los dos desaboridos actores que han sido elegidos para sustituirles: soso él y sosísima ella. La incapacidad de éstos para dar credibilidad a una pareja en crisis y jugar con la dualidad de sus respectivos personajes, queda totalmente manifiesta a lo largo del metraje. Un par de olvidables interpretaciones a las que hay que añadir las del resto de su inapropiado casting, el de los hombres que componen la arrebatada caterva que entrará a saco en el universo de la parejita acosada. Mientras James Woods hace gala del peor de los histrionismo, Alexander Skarsgard (uno de los vampiros de la televisiva True Blood) se olvida de actuar para dedicarse, única y exclusivamente, a lucir su apariencia física.

Un producto imposible de justificar existiendo un precedente tan compacto como el de Sam Peckinpah. Ni siquiera es válido para los consumidores compulsivos de palomitas. De hecho su visionado sólo supone una perdida de tiempo incalculable. No es de extrañar que, por ejemplo, en la ciudad de Barcelona se haya estrenado en una sola sala del extrarradio. Apaga y vámonos.

Silent Movie

2011-12-21T10:28:00.000+01:00

A veces hay películas ante las que hay que sacarse el sombrero. Este es el caso de The Artist, un delicioso homenaje al cine mudo a través de una historia de amor entre un famoso actor, con problemas en su matrimonio, y una nueva estrella en plena subida de popularidad; una relación que estará a punto de romperse por culpa del nacimiento del cine sonoro. Él es George Valentín, un hombre que teme acabar sus días de fama al no amoldarse al nuevo sistema cinematográfico; ella es la joven Peppy Miller, una chica decidida a la cual la aparición del sonido le irá como anillo al dedo para potenciar sus dotes de actriz.

El parisino Michael Hazanavicius firma esta coproducción franco-belga desde el mismísimo Hollywood, esa meca del cine que a finales de los años 20 se convirtió en principal testigo del paso del cine mudo al sonoro. Un realizador que demuestra tenerlos muy bien puestos al tomar la decisión de rodar, en pleno siglo XXI, una película muda y en radiante blanco y negro: el único modo, por cierto, de enfrentar un producto que pretende rendir tributo a una época en concreto y, ante todo, a una manera de hacer y entender el cine.

El cariñoso modo de acercarse a sus dos personajes principales o la también delicada forma de arropar musicalmente todo cuanto ocurre en pantalla -a través de la flamante banda sonora compuesta por Ludovic Bource-, son sólo algunos de los numerosísimos detalles que han hecho posible una obra que, a buen seguro, obtendrá su merecida compensación en la próxima edición de los Oscar. A ello hay que sumarle la valentía del director al acercarse a un estilo y a una época muy concreta utilizando la tecnología actual, sin tener que copiar la caligrafía cinematográfica de entonces: sólo con su fotografía en blanco y negro, la ausencia de sonido y su apasionado y satírico guión ha conseguido uno de los mejores guiños al mundo del cine.

La sabia elección de su pareja protagonista es otro de sus grandes aciertos. Tanto Jean Dujardin como Bérénice Bejo -George y Peppy respectivamente- dan el pego como comediantes de esos tiempos, amoldándose a la perfección a una interpretación más física y extremadamente expresiva que la actual. Curiosamente, ambos ya habían colaborado con Hazanavicius en un par de cintas que satirizaban la figura de James Bond, las de la divertida serie sobre el agente secreto OSS 117.

Clara deudora de títulos anteriores como El Crepúsculo de los Dioses (Billy Wilder), Cliente Muerto No Paga (Carl Reiner) o La Última Locura (Mel Brooks), The Artist se alza como un modélico e indispensable complemento a todos ellos y, por extensión, como una mayúscula oda de amor al nacimiento del Séptimo Arte.

Comedia, melodrama y un sinfín de guiños cinéfilos a cual más sabroso. Atención, entre estos últimos, a la utilización del Love Theme del Vértigo de Bernard Herrmann para subrayar uno de los pasajes más emblemáticos de la cinta. Sencillamente, una maravilla. Sin lugar a dudas, una de las películas del 2011.

Los increíbles hombres de Ethan Hunt

2011-12-19T10:05:00.001+01:00

Desde el pasado viernes, se exhibe en la cartelera española uno de los films de acción más sugestivos del panorama actual: Misión Imposible: Protocolo Fantasma, la cuarta entrega –y posiblemente la mejor junto con la primera de Brian De Palma- de la saga basada en una popular serie televisiva de los años 60. En la producción, Tom Cruise y J. J. Abrams. En la dirección Brad Bird quien, por vez primera, aparca el cine de animación para entrar de lleno en una trepidante cinta de espionaje y acción.

En esta ocasión el agente Ethan Hunt, junto con otros miembros del IMF –un cuerpo especial del servicio secreto norteamericano-, se verá envuelto en una trama de lo más clásico, en donde rusos y americanos se enfrentan en medio de una historia en la que siempre está presente el peligro de una inminente guerra nuclear. Escaramuzas en el interior del mismísimo Kremlin, vertiginosas secuencias en un rascacielos de Dubai o un genial guiño, perfectamente orquestado, a Monstruos S.A. desde el interior de un parking automatizado en el corazón de Bombay, son sólo algunos de los platos fuertes de una acelerada función sin desperdicio alguno.

Espectacular, divertida y, por primera vez desde el inicio de la serie, dotada del sentido del humor que Brad Bird otorgaba a sus películas animadas. De hecho, Misión Imposible: Protocolo Fantasma es una especie de cartoon con personajes de carne y hueso que poco tiene a envidiar al tono satírico y al sentido del ritmo con que el propio realizador construyó Los Increíbles, su segundo trabajo tras su debut con El Gigante de Hierro. Incluso Tom Cruise, contagiado por el espíritu más festivo de Bird, deja de tomarse tan en serio su papel de Ethan Hunt y opta por alejarse de esa (falsa) trascendencia con que lo afrontó en ediciones anteriores.

Por fin Cruise resulta menos omnipresente y deja espacio suficiente para que sus compañeros también puedan lucir palmito. Así, tanto Jeremy Renner como la macizorra Paula Patton o Simon Pegg, cobran una entidad especial en la historia. Posiblemente sea debido a la presencia de este último -reconvertido de técnico informático a agente de campo- que se haya abierto el tono de comedia a una serie que, dejando a un lado su sentido del ritmo narrativo, empezaba a acartonarse.

Tal y como demuestra esta Misión Imposible, no es necesario el (truculento) uso del 3D para realizar una buena, consistente y atractiva cinta de acción que atraiga al espectador a las salas. Brad Bird, con un presupuesto ajustadísimo, saca adelante el encargo de forma sobresaliente, no deja tregua al espectador y ofrece un vibrante espectáculo, de más de dos horas de duración que pasan sencillamente volando y siempre apoyadas por la magnífica sintonía original de Lalo Schifrin, arreglada para la ocasión por un respetuoso Michael Giacchino, el compositor habitual del cine del director. Personalmente, me lo pase pipa. Sólo me faltó la bolsa de palomitas para sentirme de nuevo como un niño.

El tiempo en sus manos

2011-12-13T09:01:00.002+01:00

In Time es un film futurista de Andrew Niccol que, estéticamente, entronca con la hitchcockiana Gattaca, la brillante ópera prima de su realizador. Y digo “estéticamente” ya que, en lo que a guión e historia se refiere (dejando a un lado los temas genéticos), su nuevo trabajo se sitúa a las antípodas de lo que supuso su presentación en sociedad.

Es innegable que su premisa argumental resulta ciertamente original. Niccol nos plantea una sociedad futura en la que el gen del envejecimiento ha sido eliminado y en la que todos los pobladores del planeta se quedan plantados en su crecimiento físico al llegar a los 25 años. A partir de esta edad, tienen como bonus un año más de vida antes de morir. Para seguir cumpliendo años, es necesario negociar con el tiempo. El dinero ha dejado de existir. Ya no hay moneda con la que realizar intercambios comerciales. En su lugar, un reloj biológico implantado en el cuerpo suplirá sus funciones. Por ejemplo, un billete de autobús costará una hora y la compra de un automóvil saldrá por unos 15 años. Los más ricos, podrán acumular en su haber cientos y miles de años: una forma como otra de acariciar la inmortalidad; los más pobres, a duras penas podrán superar ese año extra otorgado tras cumplir los 25. Los millonarios ocupan zonas especiales y restringidas, mientras que los parias han de conformarse con compartir un desangelado gueto e ingeniárselas para subsistir día a día.

El problema de In Time es que no sabe ir más allá de su atractivo supuesto inicial. De hecho, se queda encallada en el personaje de Will Salas, un joven al que le queda muy poco tiempo y que, acusado falsamente del asesinato de un tipo que le ha regalado 100 años de vida antes de suicidarse, huirá de la justicia en compañía de la hija de un poderoso magnate, convirtiéndose, de este modo, en una cinta estándar sobre huidas y persecuciones. Por suerte, mantiene su interés debido a la curiosidad de ver el manejo del tiempo como si se tratara de dinero, del pillaje que ello supone en los barrios bajos y, ante todo, por la figura de Raymond Leon, el incansable personaje encargado de atrapar a Will; un hombre que forma parte del llamado cuerpo de “cronometradores”; un cuerpo que, en realidad, sustituye al de policía.

La película no aburre, aunque una vez superado el impacto preliminar tampoco sorprende. De hecho, para disfrutarla, hay que tomársela como si se tratara de una serie B, con sus aciertos y defectos correspondientes. Entre sus aciertos, cabe destacar ese gran guiño a Bonny y Clyde y a Robin de los Bosques que va tomando cuerpo a medida que avanza su metraje, y a la fuerza que le imprime a su papel de “cronometrador” perseverante el cada día más afianzado Cillian Murphy, mientras que, como defectos, citaría la nula entidad de su pareja protagonista (Justin Timberlake y Amanda Seyfried), a cual de los dos más anodino, y la forma rutinaria de afrontar su mínima y previsible intriga.

Lo más sugestivo de la propuesta reside, sin embargo, en descubrir que, con dinero o sin dinero, la sociedad seguiría siendo igual de podrida: cuatro acumulan las riquezas del mundo entero, mientras que el resto han de conformarse con las migajas que les sueltan después de haberles estado expoliando durante toda la vida. Búsquenle a In Time lecturas paralelas con la actual crisis mundial y descubrirán un montón de alarmantes coincidencias. El resto, si más no entretenido, es puro artificio.

El beatle que quiso ser hindú

2011-12-12T09:28:00.000+01:00

El 29 de noviembre de 2001 moría aquejado de un cáncer George Harrison. A los 10 años de su defunción, el cineasta Martin Scorsese recoge las vivencias del músico en un documento excepcional de casi tres horas y media de duración: George Harrison: Living In The Material World, un trabajo que acaba de editarse en DVD y Blu-ray y que también se mantiene estos días en la parrilla de programación de Canal Pus.

No es la primera vez que Scorsese se acerca a una estrella del rock. Ya en el 2005 se aproximó a Bob Dylan a través de otro extenso e interesante documental, No Direction Home, demostrando que la relación del director con el mundo del rock es totalmente pasional. De hecho, la magistral Uno de los Nuestros, aparte de un retrato sobre la mafia italoamericana a lo largo de tres décadas, es también una revisión de la música que sonó en las calles de Norteamérica desde los años 60 a finales de los 80, un catálogo rítmico en el que no faltaban temas del propio Harrison ni de Eric Clapton, personaje este último que, debido a la amistad que le unió al desaparecido beatle, adquiere un relieve muy importante en Living In The Material World.

La película se acerca a la vida de George Harrison como integrante de The Beatles, la banda que posiblemente haya influido más en el desarrollo y la técnica de la música actual. Hace hincapié en los problemas que tuvo para colar sus brillantes canciones en medio de esa hermética sociedad que habían establecido Paul McCartney y John Lennon, compositores y letristas de la mayor parte de su discografía. Sus más y sus menos son plasmados con una exquisitez sibilina, al tiempo que muestra sus devaneos con el LSD y, ante todo, su proximidad (casi enfermiza) con la búsqueda de la espiritualidad a través de la cultura india y a partir de la música de Ravi Shankar.

La creación de su primer álbum en solitario, las muertes de Brian Epson y de Lennon, su faceta como productor cinematográfico y su relación con la enfermedad que acabó con su vida, así como un acercamiento a un episodio violento protagonizado por un tipo perturbado que seguía los pasos del asesino de Lennon, son otros de los aspectos que marcaron profundamente su existencia y que se exponen en Living In The Material World, un documental que, a buen seguro, hará las delicias de los seguidores del grupo de Liverpool y, en concreto, de la figura de Harrison, ese beatle que, durante la recta final del conjunto, decidió abrirse a un espacio más abierto y menos claustrofóbico para expresar mejor sus inquietudes personales y artísticas. De hecho, su primer trabajo fuera de The Beatles, All Things Must Pass, uno de los primeros discos triples de la historia del rock, estaba formado en su mayor parte por temas que nunca fueron incluidos en los vinilos del cuarteto de Liverpool.

Compositor, guitarrista, cantante y productor musical y cinematográfico. Una carrera fructífera narrada por el propio Harrison a través de imágenes de archivo y por gente tan cercana a él como Paul McCartney, Ringo Starr, Eric Clapton, Eric Idle, George Martin o Tom Petty, entre otros muchos, y conducido por la sabiduría de un todoterreno como Martin Scorsese, capaz de realizar un enérgico montaje plagado de imágenes nunca (o poco) vistas con anterioridad. A mí, particularmente, se me cayó la baba viéndolo. Disfrútenlo ustedes también.

Tres en un diván

2011-12-07T09:04:00.000+01:00

David Cronenberg en su último trabajo, y tal y como hizo dos décadas atrás con la insufrible M. Butterfly, ha optado por disfrazarse de autor y adentrarse en una historia que, basada en un episodio real de la vida de tres ilustres psiquiatras, da un repaso a los primeros pasos del psicoanálisis como medicina curativa a principios del siglo XX. En Un Método Peligroso, nos acerca a la turbulenta relación entre Carl Junk y Sabina Spielrein, una nueva paciente rusa que, con el paso de los años, se convertiría en una de las psicoanalistas más influyentes de Rusia; una relación ésta seguida muy de cerca por el llamado padre del psicoanálisis, Sigmund Freud.

Con este título, Cronenberg se aleja del espíritu de sus dos últimos y brillantes trabajos (Una Historia de Violencia y Promesas del Este) para regresar a una de las constantes más presentes en su filmografía: la enfermedad. Si bien antes se acercaba a ella de manera más física y purulenta, amén de psíquica y buscando en general una óptica cercana al gore, ahora se aproxima desde una vertiente más intelectual y menos agresiva visualmente hablando. En este caso, buscando mostrar el dolor espiritual y de la mente e involucrando a los personajes de Junk y Freud en el tratamiento de sus pacientes, en eso que ellos califican como la “transferencia”.

Hasta aquí todo funciona mínimamente bien. Es más, la cosa promete. El problema se localiza en la insoportable pedantería que se destila de cada una de sus aburridísimas escenas y en la forma excesivamente lineal (y plagada de elipsis temporales) con que se desarrolla todo su metraje. La correspondencia tortuosa y enfermiza que se establece entre Junk y la futura doctora Spielrein está plasmada sin ángel, de manera forzada y sin terminar de definir ese (por otra parte existente) traspaso mutuo de fantasmas personales. Además, en este apartado, en muy poco ayudan las interpretaciones de Michael Fassbender y Keira Knightley. El primero se acerca a la figura de Carl Junk de modo desaborido (el único registro que hasta el momento ha revelado el actor), mientras que ella aborda a Sabina Spielrein a través de un histrionismo ciertamente apabullante: sus exageradísimos movimientos de mandíbula, acompañados de tics corporales y cierto tartamudeo, me hicieron pensar en el mismísimo Alien antes de zamparse a una de sus víctimas.

Completando el triángulo y de forma más breve (por no decir episódica), se encuentra lo mejor de la tediosa función: la contención interpretativa de Viggo Mortensen en la piel de Sigmund Freud; contención que rompe con la vacuidad de Fassbender y con el desmadre de la Knightley, por no citar la presencia de un desmelenado Vincent Cassel, visto y no visto (y no por ello menos irritable), dando vida a un degenerado paciente de Junk al que transmite su parte más oscura.

Un triángulo de ideas y pensamientos que se cruzan y entrecruzan en medio de conversaciones nada apasionadas o mediante simples envíos de cartas. Una cinta que, por su tratamiento, se me antoja como de otro tiempo, desfasada, justo cuando se inventaron eso del “arte y ensayo”; ese cine que provocaba bostezos a diestro y a siniestro y sólo gustaba a los gafapastas de la época (o eso al menos aseguraban por aquello del qué dirán). Personalmente, me quedo con el Cronenberg más ponzoñoso de sus inicios y, ante todo, con el de sus dos últimos thrillers.

Sospecha

2011-12-01T09:58:00.000+01:00

El bonaerense Carlos Sorin, después de experimentar con un cine más cerrado y gafapastoso como hizo en La Ventana, a través de su nueva película, El Gato Desaparece, busca abrirse más al público mediante una claustrofóbica e inquietante historia protagonizada por un matrimonio dispuesto a empezar de cero tras haber vivido una experiencia desagradable.

El marido atiende por Luis. De profesión, profesor universitario. Recién acaba de regresar a su hogar tras pasar una larga temporada internado en un centro psiquiátrico. Un brote violento que le llevó a agredir a su socio en la cátedra fue la causa que le acercó hasta el manicomio. El alta médica le ha conducido de nuevo a su domicilio, aunque Donatello, el gato de la familia, no acepta cordialmente su retorno.

Ella atiende por Beatriz. De profesión, traductora. A pesar de la tranquilidad aparente de su marido tras la vuelta, la posibilidad de una recaída no dejará de inquietarla y los fantasmas personales se le aparecerán durante las primeras largas noches que pasará a su lado. Entre sus temores y la desaparición de su querido gato, la situación de la mujer se convierte en un sin vivir. La sospecha se acaba de apoderar de ella.

Planteada como una cinta de misterio al más puro estilo hitchckoniano, Sorin consigue excelentes escenas de suspense a partir de la más pequeña nimiedad aunque para ello, y de forma perdonable, tenga que colar algún que otro truco narrativo a lo largo de su desarrollo, tal y como hace con un par de pesadillas ciertamente turbadoras. A ello hay que sumarle el clima amenazador y enfermizo que se crea en el interior del otro tercer gran protagonista de la historia: la inmensa y lujosa casa en la que habitan; una vivienda que, rompiendo con uno de los tópicos del género, en lugar de ser lúgubre y oscura se muestra lujosa y luminosa. Un micro universo insano que abriga los malos pensamientos de ella y la aparente bondad y calma de él.

Melodrama, thriller psicológico y comedia; un brebaje interesante y sorprendente salpicado con gruesas gotas de humor negro. Añádanle a ello la excelente interpretación de Beatriz Spelzini en el rol de la esposa desconfiada y el mayúsculo trabajo de Luis Luque, el marido, un tipo que, de lanzar la mirada más terrorífica y amenazadora es capaz de pasar, en cuestión de segundos, a aparentar la más absoluta de las mansedumbres.

Un producto diferente y no por ello menos atractivo. Y es que las perturbaciones mentales no dejan indiferentes ni a los mininos. Saboréenla y disfrútenla como se merece. La ironía está servida.

Adiós al maestro del delirio

2011-11-29T08:18:00.000+01:00

El gran transgresor del cine británico, Ken Russell, se ha ido para siempre. Ayer, a los 84 años de edad, desde La Guarida del Gusano Blanco y mientras dormía, El Novio de la perturbación emprendió el viaje de no retorno. El suyo era un Cerebro de un Millón de Dólares tocado por la extravagancia y siempre dispuesto a iniciar un Viaje Alucinante al Fondo de la Mente. Los más osados aseguraban de él que sufría una extraña enfermedad denominada Lisztomania que le obligaba a mezclar, en sus alucinaciones y a ritmo de Ópera Rock, lo Gótico con La Pasión de Vivir.

Admirador de Valentino y enganchando a las máquinas de millón por culpa de la afición desmesurada de su amigo Tommy a las mismas, en sus últimos años se alejó de los pinbals y recogió una Sombra En El Pasado que le atormentaba: empezó trabajando en televisión y terminó sus días realizando de nuevo telemovies.

El que muchos consideraban El Mesías Salvaje del Séptimo Arte, retrató de forma delirante la vida de una Puta en La Pasión de China Blue, una de tantas Mujeres Enamoradas que inspiraron su cine.

Hoy, Los Demonios querrían velar por él.

Descanse en paz. Echaremos en falta un poco de su locura en el cine actual.

Cazadores de nazis

2011-11-28T13:23:00.000+01:00

John Madden, el realizador de Shakespeare In Love y La Verdad Oculta, ha regresado este año a las pantallas de todo el mundo con un thriller dramático, La Deuda, un remake de la homónima israelí de 2007 no estrenada en España. En ella se narra la historia de tres agentes del Mossard que, a mediados de los 60, viajaron hasta Berlín del Este para detener y entregar a las autoridades de su país a un nazi que había experimentado con los cuerpos de varios judíos en el campo de concentración de Auschwitz-Birkenau.

La película transcurre en dos tiempos: por un lado muestra los hechos acaecidos en los 60 y, por el otro, se acerca a los protagonistas, convertidos en héroes nacionales, en un presente inmediato ambientado en 1997, justo cuando los sucesos del pasado vuelven a salir a flote debido a la publicación de un libro que, sobre éstos, ha escrito la hija de la única agente femenina que tomó parte en la búsqueda del llamado Cirujano de Birkenau.

En comparación con el material original de Assaf Bernstein, la cinta de Madden se muestra más sólida y mucho mejor construida. El emblemático dibujo del perfil de los tres oficiales del Mossad le da mayor profundidad a la historia, potenciando al mismo tiempo un inesperado giro de guión bien avanzado su metraje, cosa que la película de Bernstein planteaba ya de buenas a primeras, rompiendo así parte de su intriga; intriga que el realizador británico sabe potenciar y dosificar en todo momento, sobre todo en aquellas escenas que hacen referencia a la estructura del plan para atrapar al nazi, en la ejecución del mismo y en su recta final, en donde una soberbia Helen Mirren destaca con luz propia.

La Deuda se mueve como pez en el agua a través de los dos tiempos de su narración, conjuga a la perfección los caracteres de los actores más jóvenes (Jessica Chastain, Marton Csokas y Sam Worthington) con sus equivalentes de más edad (Helen Mirren, Ciarán Hinds y Tom Wilkinson) y le otorga una entidad muy especial a la sorpresa que amaga su historia; un golpe turbador de guión que colocará al espectador en una perspectiva distinta a la hora de juzgar a sus personajes principales.

Un trabajo consistente, brillante en sus escenas de suspense y modélico por el interesante retrato que hace del trío cazador de nazis. Un remake estupendo que, gracias a su lúcido e inteligente guión, llega a superar en interés al ya de por sí correcto título original.

Cuando Dexter encontró a Emma

2011-11-24T10:45:00.000+01:00

One Day era una de esas películas que a priori no me tentaban en absoluto. La estaba dejando escapar de cartelera y, por suerte, la he podido recuperar. Digo por suerte ya que, esta adaptación cinematográfica del best seller de David Nicholls Siempre el Mismo Día, se trata de un trabajo distinto, perfectamente acabado y con dos actuaciones soberbias, la de un Jim Sturgess más maduro que en otras ocasiones y la de una Anne Hathaway en alza quien, a pesar de forzar en exceso su acento para ponerse en la piel de una chica muy british, logra sacar adelante con nota alta su papel; un complejo rol que complemente a la perfección a la de su sorpresiva y modélica interpretación de una joven aquejada de Parkinson en la admirable Amor y Otras Drogas.

Vendida de forma engañosa como si se tratara de una comedia sentimental al uso, One Day es, en realidad, un melodrama amargo y triste escrito para el cine por el propio David Nicholls. Estructurado de manera poco convencional y demostrando un dominio total de la elipsis narrativa por parte de su directora, la danesa Lore Scherfig (la misma de la también interesante An Education), la cinta muestra la historia de amor que nace entre dos amigos a lo largo de dos décadas. Él es Dexter, un muchacho algo alocado, poco juicioso y con pretensiones de triunfador; ella es Emma, una chica idealista, de clase trabajadora y que sueña con mejorar el mundo.

La cinta se inicia un 15 de julio de 1988, justo la noche de graduación universitaria de ambos y durante la cual entablaron contacto por vez primera. Y, a partir de este punto, la película tirará de la elipsis para repasar, año tras año y siempre en la misma fecha (ese 15 de julio iniciático), la vida de los dos personajes durante veinte años. Encuentros, desencuentros, frustraciones y emociones, siempre en busca de la felicidad y de la posibilidad de encauzar su amor para siempre. Una mirada agridulce -en ocasiones fría y distante, y en otras cálida y conmovedora- a la existencia de dos seres humanos a través de sus contradicciones y debilidades más evidentes.

One Day empieza de forma un tanto dicharachera, como si se tratara de una nueva revisión de Cuando Harry Encontró a Sally, aunque pronto, casi al año siguiente, abandona su tono de comedia para entrar de lleno en el terreno del melodrama; un melodrama de tintes trágicos amparado en la originalidad y ternura de su tratamiento. Una sensibilidad que, por cierto, los detractores del film tildarán de cursilería. Y ello, como todo, es cuestión del color del cristal con que se mire.

Bienvenidos a Tontoland

2011-11-23T09:26:00.000+01:00

Sí en Bienvenidos a Zombieland, su primera película, Ruben Fleischer se cachondeaba de las películas de zombis funcionándole el invento tan sólo a medio gas, en su segundo título, la recién estrenada 30 Minutos o Menos, apuesta por una sátira sobre las buddy movies que arrasaron los cines en los años 80. Y, al igual que hiciera con su ópera prima, lo hace a modo de comedia; una comedia que, a pesar de su pinta de tratarse de una gamberrada con tintes cinéfilos, no le funciona casi en ningún aspecto.

30 Minutos o Menos busca rizar el rizo sin conseguirlo en cada una de sus escenas y con cada uno de sus personajes quienes, en homenaje al género ochentero antes citado, actúan siempre en pareja. Por un lado, las víctimas teóricas de la historia: un repartidor de pizzas harto de su mal pagado empleo (Jesse Eisenberg) y su mejor amigo, un irritable aunque temeroso maestro de escuela (Aziz Ansari); por el otro, los malvados de la peli, un par de tipos descerebrados, discípulos directos de Beavis y Butt-Head: el perverso hijo de un militar retirado agraciado con la lotería (Danny McBride) y su fiel y leal escudero (Nick Swardson), un mentecato de muchísimo cuidado. Éstos, en su afán de contratar a un asesino a sueldo para que acabe con la vida del militar y así disfrutar de una tentadora herencia, deciden secuestrar al pizzero, arropar su cuerpo con una bomba de relojería y obligarle a atracar el banco local, con cuyo botín pagarían la elevada factura del sicario.

La ficción planteada y, ante todo su desarrollo, no es más que un desatino continuo. Sus numerosos chistes, aparte de forzados, resultan totalmente zafios, mientras que el par de delincuentes idiotizados, además de estar caricaturizados hasta extremos insoportables, se me antojan de lo más insufrible, tanto por la sobreactuación de sus dos intérpretes (ante todo un verborreico Danny McBride) como por el cliché con el que han sido construidos ambos personajes. Y ello por no hablar de la aparición de un tercero en discordia, un Michael Peña repitiendo en su sempiterno papel de matón latino y dejándose llevar por el mayor de los histrionismos.

Si algo resulta mínimamente salvable entre tanto desmelene apayasado es el correcto trabajo del siempre eficaz Jesse Eisenberg quien, repitiendo a las órdenes de Ruben Fleischer, lleva a buen puerto y de la mejor manera posible su imposible (y valga la redundancia) personaje, el del pizzero intimidado, convertido en hombre bomba y sobre el que recae el mejor y más sutil guiño cinéfilo de la cinta; un guiño que tiene mucho que ver con Facebook y, por extensión, con la espléndida La Red Social, cinta en la que el actor dio vida a su creador.

Simple y llanamente una gansada más, fruto de este imparable afán actual por confeccionar comedias disparatadas muy al estilo Apatow: es decir, sin sustancia y con muchas gilipolladas insertadas a saco. El cine políticamente incorrecto mola, eso está claro. Pero, en este caso, aparte de presentar a un sinfín de personajes y situaciones disfuncionales, no hay nada más. El vacío total. Suerte que la tontería no sobrepasa los 80 minutos.

La jubilación puede esperar

2011-11-22T09:33:00.000+01:00

Asesinos de Élite significa la ópera prima de Gary McKendry, un film de acción al servicio de Jason Statham que, siguiendo las coordenadas enérgicas del cine de John Frankenheimer, acerca al espectador a lo que asegura ser “una historia real”. Lo de historia real, como casi siempre suele suceder, me suena a apostilla falsa para colar una crónica no demasiado creíble. Sea como sea, en EE.UU. no tragaron y se convirtió en un sonado fracaso de taquilla.

De veracidad y coherencia, la verdad es que hay muy poca. Eso sí, de desgaste de adrenalina y de viajes a lo largo y ancho de este mundo (en plan James Bond) hay un montón. No nos hemos de engañar: Asesinos de Élite es puro entretenimiento y, al argumento que nos propone, no hay que buscarle peras al olmo. Tan sólo se trata de dejarse llevar por el nervio imprimido al relato e intentar disfrutar con sus bien filmadas y numerosas escenas de acción. Peleas cuerpo a cuerpo, tiroteos, persecuciones automovilísticas y otras a pie por los tejados de la ciudad de Londres. Un poco de todo, sin apenas descanso y buscando un estilo más clásico que, por suerte, la aleja de esos montajes acelerados y sincopados en los cuales resulta casi imposible saber que narices sucede en pantalla cuando los protagonistas empiezan a atizarse.

Su personaje principal es Danny (o sea, el amigo Statham), un mercenario entrenado en el arte de matar que, justo cuando decide retirarse del oficio, ha de realizar una misión especial para un jeque árabe quien, como coacción para obligarle a aceptar el trabajo, tiene secuestrado a Hunter (un fugaz Robert De Niro), su buen amigo y mentor. El encargo consiste en eliminar, como si se tratara de un accidente, a los tres agentes del SAS (Servicio Aéreo Especial británico) que asesinaron a tres de los hijos del jeque, grabando su confesión antes de matarlos.

La película se deja ver. Y punto. Aparte de un giro argumental bastante previsible, no hay mucho misterio en la propuesta, aunque si varias incongruencias narrativas, sobre todo en el modo de conseguir las confesiones de los autores de los asesinatos ya que, alguna de ellas (en concreto, la de la tercera víctima), brilla por su ausencia.

A nivel actoral, Jason Statham hace lo de siempre: fruncir el ceño, disparar y repartir hostias a diestro y siniestro; dudo que este hombre funcione en cualquier otro registro que no sea el de héroe de acción brutote. De Niro pasa por allí y, con su nombre y (mínima) presencia, le da cierto empaque comercial al producto, mientras que Chris Owen, el tercero en discordia y dando vida a un obstinado y peleón miembro del SAS, con ojo de cristal y bigotito incluido, da la impresión de estar totalmente perdido en su delirante y poco definido papel.

Nada, que la cosa no molesta, pero tampoco lleva a ningún lado. Que de cintas de acción hay de mejores y más originales. Y es que ésta, a pesar de su trepidante ritmo, en su recta final acaba resultando pesada por reiterativa.

Entre cuatro paredes

2011-11-21T09:17:00.000+01:00

Roman Polanski está en un momento creativo espléndido. Tras la contundencia de El Escritor regresa con la adaptación de Le Dieu du Carnage, la exitosa obra teatral de la francesa Yasmina Reza titulada en España Un Dios Salvaje. Escrita mano a mano entre Polanski y la autora en condiciones poco salubres mentalmente hablando (mientras el director permanecía en arresto domiciliario en Suiza), la cinta relata, en tiempo real, el encuentro de dos matrimonios en el apartamento de uno de ellos para hablar de la pelea callejera que ha enfrentado a sus dos hijos.

Lo que empieza como una visita cordial y afable, en donde la diplomacia priva por encima de todo, la cosa empezará a torcerse al salir a flote el lado más oscuro de cada uno de ellos. Las neuras personales y los rencores irán acumulándose a lo largo de 80 minutos. Las reglas del juego han terminado. Cada matrimonio se asocia y desasocia con su pareja según por donde sople el viento. En su dialéctica no hay aliados que valgan. El ego y la mala leche imperan en una trifulca en donde todos salen heridos psíquica y moralmente hablando.

Una comedia caustica y visceral tras la que se esconde una disección de las debilidades del ser humano. Un enfrentamiento que, a pesar de significar un drama tremendo, provoca las carcajadas del público y que, conteniendo diálogos espléndidos, se apoya principalmente en cuatro armas de gran envergadura: sus cuatro actores protagonistas. Ninguno de ellos hace sombra a los demás. Todos están en su lugar, manejando a sus conflictivos personajes a la perfección aunque, eso sí, siempre según los antojos de un Polanski en estado de gracia.

Jodie Foster y John C. Reilly forman el matrimonio cuyo hijo es la víctima del incidente; ella es una mujer intelectual comprometida con las causas sociales, mientras que él, un hombre más plano y totalmente dominado por ella, alardea de su profesionalidad como representante de productos de ferretería. En el otro bando se sitúan Kate Winslet y Christoph Waltz, los padres del atacante; ella es yuppie experta en temas fiscales y en teoría muy segura de su control, y él, un abogado elitista, engreído y siempre pendiente del móvil, que lleva entre manos la defensa de una empresa farmacéutica con un producto dañino en el mercado. Cuatro interpretaciones modélicas que, con sus subidas y bajadas de tono correspondientes, moldean con un rigor incontestable el mal rollo y el pésimo ambiente que se apodera del interior del domicilio neoyorquino de la primera pareja.

Polanski, un hombre en cuyo cine siempre ha dominado la sensación de claustrofobia (Repulsión, La Semilla del Diablo, El Quimérico Inquilino), se mueve como pez en el agua por las cuatro paredes que encierran al par de matrimonios en disputa y de las que, en claro homenaje a El Ángel Exterminador, no pueden huir por mucho que se lo propongan.

Un Dios Salvaje atrapa al espectador al igual que a sus cuatro únicos personajes, a pesar de que, por sus caracteres y acciones, resulte muy difícil simpatizar con alguno de ellos. Una mirada atroz y con un sentido del humor diabólico hacia una sociedad cansada y estresada. Un film totalmente recomendable del que es imposible renunciar.

Nazi Boy

2011-11-19T09:54:00.002+01:00

Al barcelonés Christian Molina ya no se lo cree nadie. Tras debutar con la nefasta Rojo Sangre, insistió a continuación con la innombrable Diario de una Ninfómana y, posteriormente, con Estación del Olvido, un melodrama acartonado que a duras penas tuvo repercusión. Pero el hombre es persistente y, no contento con sus tropiezos, vuelve al ataque castigando a las plateas con su cuarto título, De Mayor Quiero Ser Soldado, un presunto alegato rodado en inglés en contra de la proliferación de la violencia en el mundo de la televisión que cuenta, como principal gancho, con dos secundarios de (dudosa) fama internacional, Danny Glover (a la vejez viruelas) y Robert Englund, el tenebroso Freddy Krueger de la saga Pesadilla en Elm Street.

A pesar de querer endilgarnos la plana de que la historia planteada sucede en una de esas urbanizaciones yanquis tan típicas en la filmografía de Spielberg, la cinta está filmada íntegramente en L’Hospitalet (Barcelona). Un engaño de lo más simplón e innecesario, ya que todo cuanto acontece bien podría ocurrir en nuestro país.

La cinta nos acerca al universo de Álex, un niño de 8 años que, de ser el rey de la casa, pasa a ser un segundón al tener que acomodarse a la llegada de un par de mellizos. Los celos y su fascinación por las imágenes bélicas que desgrana el televisor y por la iconografía nazi con la decora su habitación, harán de él un personaje iracundo y peligroso que se saltará a la torera a sus propios padres y a las normas de la escuela en la que estudia. Antes del nacimiento de sus hermanos tenía a un santurrón y angelical astronauta como amigo invisible; con la venida de los pequeños, su nuevo amigo invisible pasa a ser un militar enfebrecido y fascistoide.

La idea, a priori, resulta interesante y bienintencionada. Lo peor es que Molina la lleva a la pantalla de la peor forma posible. En su propuesta, resulta demagogo y en exceso efectista: tal y como pretende denunciar, no sólo es la televisión la que marca el carácter del joven, pues la poca atención que recibe de sus padres aún es mucho más alarmante; detalle éste que no queda bien reflejado en pantalla. Además hay que tener en cuenta que, desde un inicio, antes del presumible cambio de carácter, ya presenta a Álex como un tarado en potencia: ni su guión ha sabido perfilarlo, ni se ha sabido dirigir con inteligencia a Fergus Riordan (el chaval que lo interpreta) a la hora de descifrar correctamente a su personaje. Y ello sin hablar de los nefastos registros de los actores que dan vida a sus padres (Ben Temple y Jo Kelly) y de las ridículas (por tendenciosas) apariciones de Robert Englund en la piel de un psicólogo escolar.

Un quiero y no puedo más de Christian Molina quien, en su producto más ambicioso hasta el momento (y espero que desista en su empeño), no ha conseguido en absoluto sus objetivos. Ni cuela al espectador el más mínimo sentimiento afectivo por el agresivo Álex, ni logra hacer creíble su precaria crítica a la constante lluvia de bestialidad surgida de la televisión.

En definitiva, un film tan plano, desatinado e insostenible como el grotesco speech de Danny Glover insertado en los títulos de crédito finales; un Danny Glover, por cierto, más perdido que un gusano en medio de una plaza de toros, al igual que le sucede a Valeria Marini en sus insustanciales apariciones. Apaga y vámonos. La moralina barata y sin fundamento ya cansa.

El hermano empalagoso de Hanna

2011-11-18T09:02:00.000+01:00

Sin Salida (el mediocre título español sustitutivo del original Abduction) no es más que un film de puro entretenimiento dirigido claramente al público adolescente y, al mismo tiempo, un producto construido con todo el descaro para el lucimiento de su joven protagonista, el sosísimo Taylor Lautner, el hombre lobo (o mejor dicho, lobezno) de la saga Crepúsculo. Todo tiene su explicación: el productor de la cosa no es otro que Dan Lautner, el padre de la criatura. Dirige el cotarro John Singleton, ese californiano afroamericano que debutó con la prometedora Los Chicos del Barrio y que, con el paso de los años, ha ido yendo a menos.

La película es una mezcla, en clave teenager, de las andanzas del amnésico Jason Bourne (incluso, en la película, se compara al actorcillo protagónico con el físico de Matt Damon) y los vericuetos educacionales de la sorprendente Hanna, esa niña, émula de Nikita, que desde su más tierna infancia fue aleccionada para salvar con solvencia todo tipo de obstáculos. De la serie sobre Jason Bourne extrae su sentido del ritmo y sus brillantes escenas de acción, mientras que de Hanna roba parte de su argumento, aunque eliminando cualquier atisbo de morbo o de violencia excesiva. Vaya, que tratándose de una cinta para quinceañeros entusiastas del cine de acción y ante todo del impúber del Lautner, hay que reciclarlo todo por el tamiz de la corrección política y la simplicidad argumental. Tanto es así que, en la única escena mínimamente tórrida entre el mozalbete y Lily Collins -su partenaire femenina e hija del cantante Phil Collins-, Singleton decide cortar por lo sano los arrumacos de la pareja (o sea, cuatro morreos y unos pocos sobeteos inocentes) para que no lleguen a mayores.

Aburrir, lo que se dice aburrir, no aburre. La mínima (minimísima) historia que propone, la de la huida del gazmoño del Taylor en compañía de su vecinita tras ver morir a sus (teóricos) padres en manos de una misteriosa organización, no hay por donde pillarla. Progenitores de adopción, organismos serbios sin escrúpulos, psicoanalistas reciclados en miembros de la CIA y agentes gubernamentales corruptos, se mezclan en una intriga delirante con muy poca lógica. Suerte que, en medio del caos organizado por su guionista (Shawn Christensen), allí está el pobre de John Singleton para arreglar el entuerto con sus correctas escenas de acción. De trama tiene poca (y altamente ridícula), pero de acción tiene un mucho.

Lo que aprieta el hambre (o la falta de buenos papeles) que hasta gente como Maria Bello, Alfred Molina o la reputada Sigourney Weaver, se ven metidos en un producto tan vacuo (aunque entretenido, repito) como éste.

Las que tienen que servir

2011-11-17T09:58:00.000+01:00

De la mano de Tate Taylor llega Criadas y Señoras, una película muy de la época Obama que supone un fuerte alegato en favor de la integridad racial. Ambientada en la Norteamérica de los años 60 en Jackson, una pequeña localidad del estado de Mississippi, en ella se da un repaso a las tensas relaciones existentes entre las criadas de color y las señoras que estaban a su mando; una relación que no distaba mucho del esclavismo.

Narrada entre el melodrama y la comedia y dotada de una sustancial dirección artística pareja a la de la televisiva y encomiable Mad Men, la cinta se centra en la figura de Skeeter, una joven blanca, progresista y contraria a la xenofobia, que tras regresar de la Universidad a su ciudad natal, Jackson, opta por iniciar su prometedora carrera como escritora con un libro que retrate varias de las desagradables historias que marcaron la vida de muchas de las mujeres negras que trabajaban al servicio de influyentes familias sureñas del lugar. Para ello, ni corta ni perezosa, empezará una serie de entrevistas con algunas de las víctimas para luego plasmarlas, en forma de relatos, en su tratado.

Criadas y Señoras es una cinta antiracial y claramente femenina, ya que la presencia del hombre es puramente anecdótica. Ante todo se centra en dos sirvientas afroamericanas y sus encuentros con la escritora para narrarles sus experiencias, resaltando siempre la prepotencia y despotismo -excepciones a parte- con las que eran tratadas por sus patronas. En definitiva, un claro vehículo de lucimiento para un montón de buenas actrices, todas ellas muy comedidas y de entre las que cabe destacar la brillantez con la que Emma Stone afronta el papel de Skeeter y la fuerza con la cual Viola Davis da vida a Aibileen, la primera asistenta que abre sus sentimientos y recuerdos a la difícil petición de la incipiente literata.

A resaltar, por su positivismo, los personajes de la citada Skeeter (quien en su niñez fue criada por la mujer de color que asistía en su domicilio) y de Celia Foote (excelente y divertida Jessica Chastain), una mujer blanca, un tanto corta de entendederas y de muy buen corazón, que contrata a una doméstica de color con la que procede de forma cariñosa. Por el contrario, siguiendo en el lado blanco y como chivo expiatorio de la función, se aposenta la malvada figura de Hilly Holbrook, una tiparraca sin escrúpulos, manipuladora y racista hasta los topes a la que Bryce Dallas Howard interpreta de modo extremo, caricaturesco y con ciertos ramalazos a lo Cruella de Vil.

Quizás su tratamiento, un tanto jocoso por momentos y demasiado dulzón y (truculentamente) emotivo en otros, no sea el más adecuado para un film que se aproxima con desparpajo a un tema tan duro, aunque, en definitiva, se trate del más apropiado para llegar a un público más amplio. Y eso es lo que se supone pretendía su director.

Por cierto: atención a Sissy Spaceck haciendo de abuelita. No tiene desperdicio.

Malas calles

2011-11-16T09:20:00.000+01:00

El guionista de Infiltrados y Red de Mentiras, el norteamericano William Monahan, debuta en el campo de la dirección desde la capital británica con London Boulevard, un thriller redentor tan aburrido como previsible. Su principal reclamo comercial se apoya sobre Colin Farrell y Keira Knightley, una pareja de la que, por mucho que se esfuerce su realizador, no desprende la química necesaria para hacer creíble la relación que nace entre los dos.

London Boulevard parte de la salida de la cárcel de un tipo que se ha ganado cierto estatus entre los bajos fondos de la ciudad por su fama de violento. Presionado por viejos colegas y por un capo mafioso (excelente Ray Winstone) para que vuelva a las andadas, sus ansias de redención son tan fuertes que decidirá pasar de ellos y entrar al servicio de una joven estrella del cine, presa de una fuerte depresión y encerrada en su gran mansión londinense, con la finalidad de ejercer como una especie de securata para ella y así librarla del acoso a que la someten los paparazzis. Inevitablemente, y a pesar de las intimidaciones que recibirá el ex convicto, entre él y la abatida actriz nacerá una fuerte atracción.

Su tema central, o sea, la historia de amor entre los dos personajes, resulta tan forzada que, a veces, hasta roza el ridículo en alguna de las situaciones plasmadas. Colin Farrell se pasea por la pantalla con cara de tristón, mientras que la Knightley usa y abusa de sus mohines de niña mimada. Un tête à tête imposible de digerir y cuyo final, por otra parte, está más que cantado desde su primer encuentro.

Monahan, al margen del insostenible love story planteado, se esfuerza en dotar a la cinta de una intriga paralela, mucho más visceral y en parte cercana a viejos thrillers británicos de los años 60 y 70, muy a lo Asesino Implacable, aunque, claro está, salvando las distancias; de aquellos en los que el ambiente soterrado de las calles de los suburbios de Londres se convertían en el alma mater del producto. En este apartado se recrea, ante todo, en los enfrentamientos del personaje de Farrell con su pasado como maleante y en los constantes problemas que le acarrea el tener que controlar a una hermana, con tendencias ninfómanas, que está como una puta regadera. En este aspecto la historia funciona un poco mejor, pues se muestra hábil resolviendo con solvencia sus pasajes más violentos (que haberlos, haylos), aunque sin brindar nada nuevo al género.

Un film irregular, aburrido y previsible, con ciertos (mínimos) destellos de lucidez en su vertiente más salvaje, que se ve marcado inexorablemente por esa sensación de déjà vu que transmite al espectador, por la poca credibilidad que ofrece su historia de amor y por el cansino (y nada original) matiz redentor y moralista que asoma en su recta final. Un mención al margen es necesaria para el patético personaje al que da vida David Thewlis, el otro “chico para todo” al servicio de la angustiada Keira Knightley.

El dulce (y amargo) sabor del chocolate

2011-11-15T08:50:00.000+01:00

De Francia y Bélgica llega una comedia afable y sencilla, totalmente funcional, divertida y emotiva. Se trata de Tímidos Anónimos, un sensible tratado sobre la timidez en forma de cuento, muy en la tradición de Amelie. Dirige Jean-Pierre Améris.

La cinta nos acerca al flechazo surgido entre dos tímidos de armas tomar quienes, debido a su apocamiento, se verán incapaces de reconocerse mutuamente su amor. Ellos son el vergonzoso propietario de una pequeña chocolatería a punto de la quiebra y su nueva empleada, una mujer igualmente retraída aunque dotada con una extrema sensibilidad, de la que no le gusta alardear, en la elaboración de los mejores bombones del mercado.

Tímidos Anónimos atrapa por su cándido y tierno guión y, ante todo, por la forma cariñosa con la cual Améris arropa a sus dos protagonistas, unos excelentes Benoît Poelvoorde e Isabelle Carré, esta última en su faceta más pizpireta. Entre las sudoraciones excesivas de él y la propensión al desmayo y a las ruborizaciones de ella, acaba creándose una química excelente entre ambos personajes.

Una historia de amor diferente, con pasajes ciertamente jocosos y otros directamente entrañables y en la que cabe destacar las escenas de terapia de grupo a los que asiste ella, las continuas visitas al psicoanalista de él y los distintos encuentros, fracasados y embarazosos, de ambos enamorados cohibidos.

No le hagan ascos a la película. Ochenta minutos totalmente aprovechados, sin asperezas y yendo siempre directo al grano. Su visionado es como la ingesta de un bombón de calidad suprema: ligera, aunque navegando entre la dulzura y el amargor.

Tintín Jones en busca del tesoro perdido

2011-11-14T08:30:00.000+01:00

Soy de los que se consideran tintineros de toda la vida. Crecí devorando los álbumes de Tintín. Es más, aún conservo en una de mis estanterías toda la colección de Hergé, la original, la del lomo de tela. Y aún hoy en día, en mis momentos más melancólicos, acudo a repasar alguna que otra de las aventuras del avezado periodista belga. Las Aventuras de Tintín: El Secreto del Unicornio, vía Steven Spielberg (director) y Peter Jackson (productor), no ha hecho más que reavivar mi pasión por uno de los mayores héroes de mi niñez junto con Astérix.

En su adaptación, Steven Spielberg ha sido fiel al espíritu del cómic y del personaje, aunque no tanto a ese trazo simple que caracterizaron las viñetas dibujadas por Hergé. Eso es debido a que Spielberg, para la traslación del personaje a la pantalla grande, ha optado por el mismo sistema virtual y de animación usado anteriormente por Zemeckis en Polar Express: o sea, filmar con actores reales, de carne y hueso, pero dotándolos, a través de la informática, de las mismas características físicas que los protagonistas ideados por Hergé. Mejora la técnica utilizada por Zemeckis aunque, en su afán por hacer totalmente realista el resultado, sobrecarga la imagen hasta extremos ciertamente exagerados. Un abuso visual, en el fondo perdonable, para realzar el método empleado así como para darle más fuerza a la opción del 3D.

Al margen de esa pequeña desavenencia con el universo de Hergé, Spielberg y Jackson han seguido perfectamente los cánones que dominan el mundo de Tintín y sus colegas. Han partido de tres libros en concreto (El Cangrejo de las Pinzas de Oro, El Secreto del Unicornio y unas mínimas pinceladas de El Tesoro de Rakham El Rojo), alterando el orden de ciertos pasajes con la finalidad de otorgarle continuidad y uniformidad a la historia (como sucede con el primer encuentro con el capitán Haddock) y, a través de un toque inevitable a lo Indiana Jones europeizado, se han enfrentado a la primera hazaña made in USA del joven aventurero. No faltan momentos de cosecha propia, como el concierto de la Castafiore en medio de un exótico escenario moruno, aunque siempre apegados a la quintaesencia del personaje original. En definitiva: una forma como otra de enriquecer las andanzas del intrépido personaje, aunque con ello, y sólo de vez en cuando, se les haya ido un poco la bola, tal y como sucede con la lucha de grúas entre Haddock y Shakarine, el villano de la cinta.

Unos títulos de crédito iniciales -muy a lo Saul Bass y en claro auto homenaje a Atrápame Si Puedes-, abren El Secreto del Unicornio. A partir de aquí, sólo se trata de viajar hasta nuestra infancia y volver a reencontrarnos con un Tintín renovado, puesto al día, aunque conservando la misma estela de simplicidad con la que se planteaban todos los misterios a resolver; un Tintín que, al igual que en las páginas de Hergé, se ve un tanto desplazado por la fuerza del personaje del capitán Haddock, ese inolvidable, bravucón y borrachín marinero que de pequeños nos enseñó a despotricar a grito pelado y de forma poco elegante y que, en esta ocasión, se ha colado sobre la piel de Andy Serkis, un inmenso actor, de rostro casi desconocido, especializado en dar vida a los seres más extraños del Séptimo Arte durante la última década (Gollum y King Kong incluidos).

La aventura, sin matices ha regresado de nuevo al cine de la mano de Spielberg y de Tintín. Una aventura que honra la obra de Hergé y que nos hace olvidar por completo el par de patéticos intentos francófilos, en los años 60, de acercar al personaje (en carne y hueso) a la gran pantalla con El Misterio del Toisón de Oro y El Misterio de las Naranjas Azules. Ansioso estoy por ver el tratamiento que dispensa Peter Jackson, en el próximo capítulo, a uno de los personajes más olvidados de esta entrega: el inefable y despistado profesor Tornasol. Por el momento, con Tintín, su perro Milú, Haddock y con la pareja de tontorrones policías gemelos Hernández y Fernández, (Thompson and Thomson en la versión original americana) han aprobado con nota alta. Es más, diría que altísima.

Forrest Gump se hace motero y se liga a una Monalisa que ha perdido la sonrisa

2011-11-10T08:04:00.001+01:00

Quine años después de haberse colocado tras la cámara para filmar la sencilla aunque atractiva The Wonders, Tom Hanks regresa a la dirección para endilgarnos una de las comedias más vacías e inconsistentes de los últimos años: Larry Crowne, Nuca Es Tarde.

En ella, el propio Hanks se otorga el papel protagonista, el del Larry Crowne del título, un hombre simple, afable y divorciado que es despedido de los almacenes en los que trabaja por culpa de su falta de estudios universitarios. Los numerosos años servidos en la Marina como cocinero no le servirán de nada a la hora de encontrar un nuevo empleo. A medida que va deshaciéndose de muchas de sus propiedades, incluida su casa, se verá en la obligación de matricularse en la Universidad local, lugar en el que, tras comprarse una Vespa para reducir gastos en gasolina, acabará uniéndose a un particular grupo de moteros y quedará prendado de su nueva profesora, una borrachuza insatisfecha con su matrimonio.

El actor/director se acerca al personaje de Larry Crowne como si se tratara de un nuevo Forrest Gump a través de una interpretación tan sosa como revulsiva, mientras que Julia Roberts, en el rol de la maestra resentida, lo hace de manera más compleja a pesar de tratarse de un papel totalmente esteriotipado. Ya ni el uno y el otro son lo que eran. Los tiempos de Tienes un E-mail quedan muy lejanos, al igual que la frescura de la película que, en este caso, brilla por su ausencia.

Filmado sin motivación alguna y apoyándose en un guión plano y falto de sorpresas, da la impresión de tratarse de un telefilm de sobremesa producido con la única intención de cubrir el expediente. Todo suena a manido y cursi. La previsibilidad asoma en cada una de sus edulcoradas escenas. Ni hace gracia (a pesar de intentarlo) ni emociona.

Simplemente, caca de la vaca. Una manera como otra de perder el tiempo.

Por cierto: malas lenguas aseguran que, desde España, se ha interpuesto una denuncia contra los responsables del cartel publicitario debido a que los dos protagonistas van montados en una motocicleta sin llevar los pertinentes cascos. Si ello es cierto, damos tanta pena como la propia película.

La noche más larga

2011-11-09T09:53:00.000+01:00

Margin Call arranca justo las 24 horas anteriores al inicio de la caótica crisis económica mundial que ahora nos azota, justo el 14 de setiembre de 2008. Y es que, para narrar los citados acontecimientos, el debutante J. C. Chandor, director de la cinta, se inspira claramente en un hecho real, el de la caída de Lehman Brothers, una compañía global de servicios financieros norteamericana con sede social en el Wall Street neoyorquino que, con sus numerosas y oscuras especulaciones, aparte de hundir a la propia entidad dio paso a uno de los mayores conflictos monetarios y sociales en décadas.

Filmada con un presupuesto mínimo (y casi, casi, ejemplarizante), Chandor se ha rodeado de un grupo de actores mayúsculo, una de las mejores virtudes del producto. Desde Demi Moore a Kevin Spacey, pasando por los más jóvenes Zachary Quinto y Penn Badgley. Todos están perfectos, ninguno de ellos desentona del resto del grupo aunque, en este aspecto, querría destacar la arrolladora presencia de Jeremy Irons (el prepotente líder de la institución) y, ante todo, la controladísima interpretación de Stanley Tucci, el empleado que descubrió en primer lugar los tejemanejes que llevarían al resto del mundo a la bancarrota y, de rebote, a la inestabilidad social.

Capaz de arropar con cierto cariño a los personajes más débiles de la historia y, al mismo tiempo, de tratar con gélida frialdad a los más cínicos y malvados, Chandor se adentra en los vericuetos de una historia a priori complicada (sobre todo para los menos versados en el tema) de forma más o menos asumible. Gestión de activos financieros, inversiones en renta fija, créditos subprime…: una amalgama de términos difíciles de pillar al vuelo que el realizador resume, de modo sublime, en un momento determinado del film, justo cuando Jeremy Irons pide explicaciones del problema de manera sencilla y comprensible.

A medio camino entre el thriller y el melodrama y narrado a lo largo de una sola noche, este es un título imprescindible para adquirir aún más consciencia sobre el convulso momento histórico que nos ha tocado vivir. Con el fin de redondear la función, de pasada también les recomiendo un repaso a Inside Job, un interesante estudio sobre la materia que en la última edición de los Oscar se hizo con el premio a mejor documental.

Y es que tenía que ser la edición número 13...

2011-11-08T09:18:00.005+01:00

Por culpa de estar convaleciente en casa con la pata quebrada, me voy a perder unas de las citas anuales que espero con más anhelo, la del Fecinema (Festival Internacional de Cinema Negre de Manresa), que justo inicia su 13ª edición mañana mismo, a las 21 horas, con la proyección de una pequeña joya dirigida por Robert Redford, La Conspiración. Y digo lo de “pequeña joya” con conocimiento de causa pues tuve la ocasión de verla hace cuantos días. En ella, Redford hace una recreación del juicio que se llevó a cabo con los ocho acusados de perpetrar el asesinato de Abraham Lincoln, cargando la tinta en la manipulación que del proceso hacen el gobierno provisional y los militares encargados del mismo. Un film contundente, con una Robin Bright excepcional, que asombra por los paralelismos que entre líneas se pueden leer con el maniqueísmo con el que actúan los políticos de hoy en día. Un dignísimo trabajo para inaugurar un certamen que va creciendo año tras año y cuyos Premios de Honor recaerán sobre dos personajes de vital importancia en el cine español: Álex de la Iglesia y Sergi López.

La sección oficial de cine negro contará con títulos tan atractivos como, entre otros, la esperada Route Irish de Ken Loach, el London Boulevard de William Monahan o el muy psicótico Dernière Séance, un film francés de Laurent Achard que se centra en los movimientos de un cinéfilo convertido en asesino en serie. Como colofón, el domingo y cerrando el certamen, Asesinos de Élite, un thriller adrenalínico con Jason Statham, Robert De Niro y Clive Owen.

Al margen de la sección oficial, el Fecinema ofrecerá una amplia retrospectiva sobre el cine del gran Sidney Lumet en homenaje al desaparecido director norteamericano, así como otro apartado paralelo bajo el epígrafe de “el negro más fantástico” en donde se proyectarán cintas como The Collector, Le Havre o Attack the Block. Para saber más sobre la extensa programación y otras actividades, les emplazo a su página web.

Desde aquí, mi más sincera felicitación a todo el equipo del Fecinema a los que, durante los próximos días, añoraré más que nunca y con cuyo esfuerzo han podido sacar adelante una edición con uno de los presupuestos más bajos de su historia. Sinceramente espero que sea todo un éxito. Os lo merecéis, buena gente. Desde aquí, un beso en la frente a cada uno de vosotros.

Y ustedes, amables lectores, sepan que tienen una cita imprescindible en Manresa del 9 al 13 de noviembre. Les dejo. Voy a llorar mis penas y a poner la pata en alto.

Una terapia peligrosa

2011-11-07T08:36:00.004+01:00

Un Papa ha muerto. El Vaticano y sus fieles están consternados. El cónclave ha sido convocado. Tras varias votaciones frustradas en busca de un sucesor, al final se llega a la Fumata Blanca. El nuevo Pontífice ha sido elegido entre los cardenales presentes. Todo parece ir sobre ruedas, pero al tener que salir al balcón para dirigir unas palabras a la multitud allí congregada, al hombre le entra el pánico escénico y decide retirarse acongojado a sus aposentos. Ante la imposibilidad de hacer reaccionar al recién nombrado Pastor Supremo de la Iglesia Católica, se llama a las filas del Vaticano al mejor psicoanalista romano del momento, ateo para más señas, para someterlo a una terapia exprés.

De este modo tan peculiar se inicia Habemus Papa, la nueva cinta de Nanni Moretti quien, para la ocasión, carga con el papel del psicoanalista, cediéndole todo el protagonismo a un deslumbrante Michel Piccoli el cual, a sus 85 años de edad, demuestra estar totalmente en forma. La verdad es que el rol de Papa apesadumbrado es un caramelito para un actor de avanzada edad como él. Con su brillante interpretación logra hacer creíble el temor de su personaje a cargar con el peso de convertirse en la cabeza visible de un tinglado tan gigantesco como el del Vaticano.

Habemus Papa no se trata de una comedia desmadrada, ni siquiera de una crítica destructiva sobre la Institución ni sobre la religión. Es simplemente una sátira sobre un estamento que se ha creído intocable durante muchos (demasiados) años. Incluso aseguraría que, en su propuesta, humaniza a esa caterva de cardenales que forman parte del cónclave, valiéndose para ello del elemento distorsionador que supone la figura del doctor encarnado por Moretti.

Su sentido del humor navega entre la sutilidad y el surrealismo; ese mismo surrealismo del que hacía gala el cine de Fellini, tal y como sucede con el torneo de voleibol que organiza el terapeuta entre todos los cardenales con el fin de hacer más llevadera la espera hasta que se resuelva la situación depresiva del nuevo Pontífice.

Un trabajo diferente, tanto por su originalidad como por su tratamiento; un tratamiento cercano al de una fábula en la que, aprovechando la frustrada vocación de actor del recién elegido Papa, llega a comparar la estructura del Vaticano con la del mundo del teatro. Y es que, en el fondo, tanto actores como sacerdotes viven inmersos en una farsa constante.

El aprendiz de playboy

2011-11-03T08:02:00.000+01:00

Crazy, Supid, Love hace gala de un inicio que, dentro del estándar de las comedia sentimentales, hasta resulta original. En él, una mujer casada, con dos hijos y con 18 años de matrimonio a cuestas, le suelta de sopetón a su marido la intención de solicitarle el divorcio. Así, de buenas a primeras y alegando que se ha acostado con un compañero de trabajo. La respuesta del marido, estupefacto ante tal confesión, es bajarse en marcha del automóvil que ella conduce. Una situación patética y al mismo tiempo grotesca que, plasmada con un cínico sentido del humor, parece anunciar una prometedora película.

En realidad, todo se queda en su inicio. De nada vale su espléndido casting (Steve Carrell, Julianne Moore, Ryan Gosling, Marisa Tomei, Emma Stone y Kevin Bacon). Por muy atractivo que sea, su propuesta se queda en agua de borrajas ya que sus dos directores, Glenn Ficarra y John Requa (los mismos de Philip Morris ¡Te Quiero!), optan erróneamente por sacarse de la manga una historia totalmente insostenible con el fin de aguantar sus casi dos horas de proyección: la de la relación que se establece, una vez separados, entre el marido (un tipo extremadamente clásico e incluso timorato) y un joven playboy que se erige en su maestro en el arte del ligoteo. Una relación ésta que pocas diferencias ofrece, salvando las distancias, con las comedia españolas que, en los setenta, protagonizaron gente como López Vázquez o Alfredo Landa bajo la batuta de Pedro Lazaga o Mariano Ozores.

Incluso Crazy, Stupid, Love se me antoja una película truculenta ya que, para llegar a su desatinado final, aprovecha un personaje que aparece esporádicamente a lo largo del metraje y lo inserta bruscamente en el universo del matrimonio a punto de divorciarse y en el del playboy con ínfulas de educador para, con ello, crear un enredo de proporciones gigantescas pero totalmente ridículas.

Una comedieja norteamericana más, en donde los típicos y tópicos se suceden uno detrás de otro y que, en definitiva, sólo sirve para confirmar que Julianne Moore últimamente hace muy bien de Meryl Streep. Y es que ni la presencia de la siempre estimulante Marisa Tomei, en el rol de una maestra de escuela ex alcohólica, logra salvar este título.

SITGES 2011: Off Festival + Top Five

2011-10-30T09:41:00.000+01:00

Siempre es un placer llegar a Sitges y reencontrase con la parroquia habitual, gente con la que, año tras año, te vas encontrando más a gusto. Desde los momentos (cenas incluidas) con el incomparable Carlos Pumares a ese número incontable de personajes habituales del festival con los que se comparten críticas y opiniones de todo tipo sobre las películas, hechos del certamen y cine en general. Cualquier lugar es válido para la charla: un pasillo, la cola del cine, un bar, un restaurante…

Especialmente remarcable me resultó, durante el último día y tras el pase de Killer Joe, el entusiasmo con el que se me acercó Ángel Sala, director del festival, sonsacando mi opinión sobre éste y el anterior film proyectado, Drive, dos thrillers que él aprecia en grado sumo debido al aire setentero que ambos desprenden.

Interesante también resultó el acercamiento a Nacho Vigalondo, un personaje al que aún no conocía personalmente y del que sin embargo sabía, a través de mi cuñado absence, que estaba interesado en mi parecer sobre su película Los Cronocrímenes tras su presentación en Sitges unas cuantas temporadas antes. A pesar de mi opinión un tanto negativa, Vigalondo se mostró como totalmente afable, divertido y campechano conmigo. Es más, a la mañana siguiente de haberlo conocido y tras el estreno de Extraterrestre, me aproximé a él y le felicité por su nuevo film, asegurándole que éste me había gustado. “Es que esta película la he hecho pensando en Spaulding”, me aseguró sonriente. Me encanta este tipo.

Pero lo mejor de los diez días e increíble recompensa a la elaboración laboriosa de este blog ocurrió cuando, estando en una cola al lado de Carlos Pumares y a punto de entrar por enésima vez al Auditorio, se me acercó un lector de la página al que no conocía físicamente y me tendió la mano felicitándome por el trabajo. No es la primera vez que me sucede en el marco de este festival y, créanme, éste es un detalle que no se puede pagar ni con todo el dinero del mundo. Muchísimas gracias, señor Lee, por su reconocimiento. De mi parte, un beso en la frente.

De orujos y bebercios varios, comidas y lugares de mala vida, poco les puedo informar en esta ocasión. Cuando uno sobrepasa la barrera de los cincuenta ya no está para muchos trotes nocturnos, y menos cuando hay que madrugar para enfrentarse a una tropa innumerable de películas diarias. Entre la edad y la crisis, mi dieta se ha ajustado a los desayunos del Meliá (cada año que pasa de una calidad más baja), unas cuantas pizzas y una cifra incalculable de bocadillos. Eso sí: siempre en buena compañía y suculentas tertulias. El café y la Coca-Cola no han faltado; imprescindibles para aguantar estoicamente y con las mínimas cabezadas posibles la ingente cantidad de proyecciones.

Para zanjar definitivamente este Sitges 2011, tal y como solicitó Don Lee en uno de sus comentarios, aquí les dejó con mi Top Five particular:

1. Mientras Duermes
2. Poulet Aux Prunes
3. Red State
4. Extraterrestre
5. Drive

Añádanle una mención especial a dos títulos ciertamente contundentes, cada uno en su estilo: Melancholia y Killer Joe.

SITGES 2011: Jornada 10 y última (alienígenas congelados, conductores avezados y policías asesinos)

2011-10-27T10:02:00.000+02:00

Aún con la pata chunga, reemprendo la información sobre el pasado festival de Sitges 2011 y, concretamente, con la traca final, la del sábado 15 de octubre. Por la mañana, a primera hora y en pase de prensa, pudimos ver el film que por la tarde y en sesión de gala clausuraría el certamen, The Thing. Si La Cosa de John Carpenter ya era un remake de El Enigma de Otro Mundo de Christian Nyby y Howard Hawks (aunque este último sin acreditar), el The Thing de 2011 es una precuela del título de Carpenter. Dirigida por el holandés Matthijs van Heijningen Jr., la película repasa los hechos acaecidos en una expedición noruega en la Antártida días antes de los sucesos plasmados anteriormente por el realizador de La Noche de Halloween; o sea, el descubrimiento de una nave espacial enterrada en el hielo desde hace más de cien mil años y el despertar de una de las criaturas que la tripulaban. Sin aportar nada nuevo al género ni a la (ya mítica) cinta de Carpenter, sin embargo se trata de un trabajo entretenido, filmado con vigor y dotado de buenos efectos especiales y de un curioso final (insertado a mitad de los títulos de crédito) que empalma directamente con su precedente cinematográfico. Así que ya lo saben: a esos impacientes que huyen raudos de la sala con el primer crédito les tocará esperar un poco para conocer su verdadero desenlace.

La mañana prosiguió con un thriller muy en la línea de los que se realizaban en los años 70, Drive, un producto duro y compacto que retrata los avatares por los que pasará un experto conductor tras colaborar en un atraco que finaliza de la peor manera posible. Un guión de envergadura, narrado con pausa y aderezado con febriles y contundentes golpes de violencia, envuelve la meticulosa dirección de Nicolas Winding Refn, un holandés afincado en los Estados Unidos. Atención a sus escenas de acción (encomiable la manera clásica y sin aspavientos de acercarse a las persecuciones automovilísticas) y a la modélica interpretación de su protagonista principal, Ryan Gosling, secundado a la perfección por gente como Carey Mulligan o Ron Perlman, este último un malo maloso (de los de antología) que, en su primera aparición en la pantalla del Auditorio, recibió un clamoroso aplauso por parte del público. Cine negro del de toda la vida, con mafias chungas y un héroe con visos de perdedor. De entre lo mejorcito del festival.

Y ya, como gran explosión final, el film (en este caso programado como sorpresa) que por su inusitada violencia provocó diversidad de opiniones en el pasado festival de San Sebastián, el controvertido Killer Joe de William Friedkin, todo un clásico del thriller de los 70 que, en esta ocasión y tras cinco años alejado de la gran pantalla, regresa con un producto visceral no apto para estómagos delicados. Un inspector de policía de New Orleans que ejerce de sicario profesional en horas libres y una familia disfuncional dispuesta a contratarlo para acabar con la vida de la madre, conforman los dos ejes principales sobre los que se aposenta uno de los trabajos más extremos del certamen. Humor negro y brutalidad desquiciada, muy en la línea de El Demonio Bajo la Piel; de una ferocidad tal que a veces hasta resulta imposible no desviar la mirada de la pantalla. Una especie de teatro de la atrocidad, filmado con un presupuesto mínimo, mucha inteligencia y contando con un inquietante Matthew McConaughey fuera de serie, el Killer Joe que da nombre al título del film y que, en un momento dado y en pleno crescendo narrativo, mantiene un pulso de lo más tenso con una Gina Gershon desconocida y de lo más machacada. Un excelente ejercicio de autor que, sin embargo, peca un tanto de teatralidad, problema este perdonable gracias a su contundencia argumental. En Estados Unidos se ha estrenado bajo el epígrafe de la maldita “X” y en España, por desgracia, aún no tiene distribución.

Un buen triplete para cerrar un certamen en el que se ha podido encontrar (y descubrir) un poco de todo. En el próximo y último post sobre Sitges 2011 el prometido off festival. Les dejo, voy a reposar la pierna.

Desde mi ventana indiscreta

2011-10-25T12:11:00.000+02:00

Pues nada, tal y como han podido comprobar, la información sobre el festival de Sitges se ha quedado interrumpida durante unos días. Y todo debido a un pequeño percance. El pasado jueves, por culpa de un agujero en una de las múltiples y maltrechas aceras de Barcelona, me rompí el pie derecho, concretamente el 5º metatarsiano. Di un paso en falso hacia atrás, el pie se ubicó en el interior del hoyo, perdí el equilibrio y caí de espaldas. El premio por tal hazaña ha sido un enyesado del pie a la rodilla con todos los impedimentos que ello conlleva; un yeso de mala calidad que, por cierto, me tuvieron que reforzar el domingo por la mañana. Cosas de los recortes en Sanidad.

Llevo días tumbado en el sofá y con el pie en alto, convertido en un emulo de “Jeff” Jeffries, el James Stewart de La Ventana Indiscreta. Es por ello que solicito, de todos ustedes, una donación para adquirir unos binoculares y un teleobjetivo que me ayuden a matar el tiempo libre.

A la mínima de cambio, tendrán colgada la crónica de la última jornada del Sitges 2011… siempre que el tiempo, la autoridad y la pata lo permitan. Ahora les dejo. Voy a tomar mi medicación.

P.D.: Ni se imaginan lo que jode no poder rascarse cuando pica una pierna.

SITGES 2011: Jornada 9 (zombis cubanos, militares esquizofrénicos, trolls noruegos y una jovencita acosada)

2011-10-20T10:46:00.002+02:00

Viernes 14 de octubre, penúltimo día de Festival. A primera hora de la mañana, el Auditorio abrió sus puertas a Juan de los Muertos, una coproducción hispano-cubana que plantea un holocausto zombi en La Habana; holocausto que las autoridades pretenden enmascarar como de disturbios provocados por disidentes pagados por los Estados Unidos. Se trata de una comedia simpática y sin muchas pretensiones en la que el tal Juan, un tipo sin oficio ni beneficio, decide montar un negocio lucrativo tras descubrir que machacándoles el cerebro a los muertos vivientes puede acabar con ellos, por lo cual organiza su propia agencia bajo el lema de “matamos a sus seres queridos”. Crítica con la Cuba contemporánea, juega a un satírico paralelismo entre la desengañada sociedad actual de La Habana y el estado catatónico con el que deambulan los zombis por las calles de la ciudad; un chiste este que funciona a la perfección en su parte inicial pero que, por reiterativo, acaba incluso cansando, al igual que le sucede a la película en su última media hora, en la que demuestra haber agotado todos los recursos para mantener al espectador enganchado a su propuesta. Dirige el argentino Alejandro Brugués quien, en el fondo, le debe de estar totalmente agradecido por su brillante trabajo a Alexis Díaz de Villegas, el actor cubano que da vida al citado Juan a través de una interpretación eléctrica que termina cautivando a la platea. Risas, crítica socio-política y un toquecito gore para empezar la jornada a buen ritmo. Lástima de esa pérdida de gas en su recta final.

El Páramo forma parte de un grupo de películas habituales en Sitges y que personalmente englobaría bajo el epígrafe genérico de “militares esquizofrénicos”. Cada año, con mayor o menor fortuna, cae una de parámetros similares a los de ésta. Ópera prima del colombiano Jaime Osorio Márquez, El Páramo nos acerca al descenso a los infiernos de un comando especial que, durante una de sus misiones, queda atrapado en una base militar abandonada en donde la presencia de una bruja provocará un mal rollo tremendo entre sus miembros. Pésimamente explicada y peor rodada, acaba resultando un film agobiante y aburrido, al que hay que añadir la dificultad para entender el acento colombiano y entrecortado con el que se expresan a grito pelado sus actores. Una locura reiterativa, vacía y filmada con el culo, siempre cámara en mano, mediante planos cortos y cerrados, siguiendo a todos sus personajes desde atrás, como oliéndoles el cogote. Un desvarío total y absoluto. El único e incomparable Carlos Pumares, al terminar la sesión afirmo “no haber visto nunca tantos cogotes aglutinados en la pantalla de un cine”.

Más estimulante resultó The Troll Hunter, una producción noruega que, a modo de comedia, asegura la existencia de trolls en los bosques escandinavos. Planteada como un falso documental en la línea de El Proyecto de la Bruja de Blair, rompe un tanto con el molde del género y apuesta más por el humor que por el terror. Narra las peripecias de un equipo de televisión dispuesto a realizar un documental sobre la caza de osos que, tras descubrir la existencia de un misterioso y solitario cazador, decide seguirle la pista hasta descubrir que se trata de un funcionario gubernamental especializado en la eliminación de trolls. Influenciada en ciertos aspectos por el humor de los Monty Python, se trata de un trabajo fresco y satírico que carga sus tintas acertadamente en el delirante y feucho aspecto de los monstruos y en la descripción psíquica, moral e incluso religiosa del muy peculiar cazador. Y es que lo de la religión es algo que influye muy directamente en la forma de actuar de los trolls. Todo un divertimento.

Cerró la jornada El Callejón, el decepcionante debut en el campo del largometraje del guionista y crítico cinematográfico Antonio Trashorras quien propone un homenaje al cine de terror en muchas de sus variantes, a través de la angustiosa noche vivida por una joven al ser acosada por un misterioso personaje en una solitaria lavandería nocturna. Contando con un decorado casi único, la cinta se pierde en continuos giros y efectos de guión tan artificiosos como su propia escenografía. Demasiados guiños para tan poco metraje (75 minutos escasos) y tanta superficialidad. Suerte ha tenido Trashorras de lo bien que le aguanta el chaparrón su prometedora actriz protagonista, una jovencísima Ana de Armas que está presente en todas y cada una de sus escenas, incluidos los títulos de crédito iniciales; unos títulos muy poperos que, en el fondo y a pesar de quedar al margen del argumento central, se convierten en lo mejor del fallido producto.

En el próximo post, la traca final.

SITGES 2011: Jornada 8 (ladrones de cadáveres, violinistas depresivos, hijos clónicos, asesinos profesionales y sectas religiosas)

2011-10-19T10:59:00.000+02:00

La madrugada del miércoles al jueves aún guardaba una nueva sorpresa ya que, en sesión golfa, se proyecto Burke and Hare, una producción inglesa que vuelve a colocar en la palestra a uno de los maestros de la comedia de los años 70 y 80, John Landis; un Landis que con este film recupera la esencia de un cine que ya quedaba en el olvido. Para su retorno, se acerca, en tono satírico y escudado en su peculiar sentido del humor, a la misma historia verídica que en su día inspiró a films como El Ladrón de Cuerpos de Robert Wise o la magistral La Carne y el Demonio de John Gilling; o sea, un repaso, en clave cachondo y con toques de humor negro, a las aventuras y desventuras de William Burke y William Hare, dos ladrones de cadáveres que, durante tiempo, alimentaron de fiambres la escuela de medicina del Edimburgo del siglo XIX. Un trabajo divertido, capaz de respetar la esencia del retrato que de sus dos personajes principales hizo en su tiempo Gilling y que, en principio y por desgracia, no tiene distribución en España. Un Landis con las baterías cargadas y con ganas de volver a dar guerra en esto del cine. Atención a la cantidad de cameos que asoman por pantalla (Christopher Lee, Ray Harryhausen y Costa-Gavras, por citar sólo unos pocos), signo inequívoco de la fidelidad que el realizador aún mantiene a su estilo.

El jueves 13 se abrió con Poulet Aux Prunes, un brillante y efectivo trabajo de Marjane Satrapi y Vincent Paronnaud quienes, tras adaptar a la pantalla una serie de comics de la primera bajo el título de Persépolis, vuelven a repetir con otra adaptación de la obra de Satrapi. Ambientado en el Irán de finales de los años 50, se aproxima a la historia de amor imposible sufrida por un violinista reputado que, incómodo con su vida actual, sólo desea su propia muerte; un músico al que da vida un inmenso Mathieu Amalric a través de una de sus mejores y compactas interpretaciones. Un film bello y emotivo, plagado de imágenes líricas y oníricas y capaz de mezclar, de forma inteligente y sensible, la comedia con el melodrama.

Womb es un melodrama duro y de (mínimos) tintes fantásticos, que se acerca de manera ciertamente intimista al tema de la clonación. Dirigido por el húngaro Benedek Fliegauf, entra a saco en la vida de una mujer que, tras ver morir accidentalmente al hombre de su vida, decide tener un hijo en solitario contando con el tejido de ADN del ser amado. Una forma original de asomarse a un asunto varias veces tratado en el mundo del cine y que, con una delicadeza extrema, propone situaciones difíciles que, en manos de otro realizador, podrían haber resultado excesivamente morbosas. Lástima, sin embargo, de estar narrada con una lentitud exagerada, ya que la acción, por momentos, avanza a paso de caracol (y nunca mejor dicho, pues sale un caracolito que crispó en demasía a cierto sector del público). De todos modos, a mí me coló a la perfección, aunque con un poco más de ritmo hubiera funcionado mucho mejor. Atención al trabajo interpretativo de Eva Green, una actriz francesa que pudimos descubrir con anterioridad en un registro totalmente distinto, el de Vesper Lynd para el Casino Royale de Martín Campbell.

Kill List, producción británica realizada por Ben Wheatley, propone el repaso a la vida de un ex combatiente que, tras varios meses en paro, acepta la proposición de un viejo amigo para, a su lado, reconvertirse en asesino profesional. Iniciada como un típico melodrama social inglés, muy a lo Ken Loach, la cinta da un giro en su segunda mitad y entra a lo bruto en los trabajos “especiales” que llevan a cabo la pareja de sicarios asociados. De una violencia inusitada, a veces incluso extrema, se me antoja una cinta aburrida y vacía, una especie de déjà vu inconsistente al que le cuesta ir hacia adelante. Su plano guión y la imposibilidad de simpatizar con ninguno de los personajes, consiguieron que la película se me atragantara por completo.

La jornada la cerré con Red State, uno de los mejores films del certamen (aunque no precisamente de género fantástico) y que, finalmente, se alzó con el premio al mejor largometraje de esta edición. Kevin Smith, su director, se aleja de sus habituales (y ya cansinas) comedias indies y a través de Red State se reinventa de forma absoluta. Y lo hace acercándose al horror más cotidiano y de modo radical, pues su cinta no deja títere con cabeza. Se atreve con todo y con todos. No hay estamento que se le resista. Parte de una secta religiosa homófoba, dedicada a secuestrar y torturar a jóvenes adolescentes con las hormonas revolucionadas, y termina adentrándose en un fenomenal tiroteo entre un grupo de agentes especiales del FBI y los miembros del clan. Sorprende por su cambio de estilo, así como por el dominio que demuestra del suspense y de sus sólidas escenas de acción. Logra de John Goodman y Michael Parks un par de interpretaciones antológicas y, a pesar de la dureza del tema, saca las carcajadas de un público entregado ciegamente a su metamorfosis durante los útimos diez minutos de proyección. Vistos los resultados, no es de extrañar que Quentin Tarantino haya manifestado su admiración por esta cinta. Y lo más curioso es que aún no tiene distribución en España.

Mañana un poco más.

SITGES 2011: Jornada 7 (cajones de sastre terroríficos, invasiones alienígenas, astronautas a la deriva y sueños reconfortantes)

2011-10-18T12:20:00.001+02:00

El miércoles 12 de octubre, festividad del Pilar, las calles de Sitges estaban abarrotadas, al igual que los cines del festival. Ya, a las 8,30 de la mañana, el Auditorio del Hotel Meliá estaba lleno de un público expectante por conocer Livide, la nueva película de los franceses Alexandre Bustillo y Julien Maury, los mismos que en el 2007 presentaron en el certamen A l’Interieur, un pastel de sangre incoherente e indigesto. Livide pretende homenajear al cine de terror en general, sobre todo al terror más gótico. Parte del intento de tres jóvenes por robar un posible tesoro escondido en una vieja mansión en la que su anciana propietaria yace enferma en su alcoba; una anciana que, en tiempos, había sido profesora de ballet en la escuela que regentaba en el mismo edificio. Hasta aquí, todo funciona bastante bien. Sin mucho sentido, el tándem Bustillo & Maury abre un peculiar cajón de sastre en el que se acumulan todos los típicos, tópicos e iconos del género (Alicia En El País de las Maravillas incluida) y, sin lógica alguna, sueltan su contenido al aire para, tal y como caen sus enseres al suelo, rematar el resto de metraje sin orden ni concierto. Y es que ese par de amigotes deben suponer que, tratándose de cine fantástico, todo vale en el género, olvidando que cualquier producto que se precie, por muy desmadrado que sea, ha de poseer una mínima lógica interna a la hora de construir su guión. Pues nada: magia, brujería, vampirismo y alucinaciones varias se acumulan en una historia sin sentido en la que lo único destacable es su cuidado diseño de producción, premiado de forma razonable por el jurado oficial de esta edición.

Extraterrestre, la nueva película de Nacho Vigalondo tras la (para mí) decepcionante Los Cronocrímenes, enmendó totalmente la mañana. Muy al contrario que su ópera prima, ésta se muestra una cinta fresca, divertida y dotada de gags y diálogos inteligentes. Rodada con un presupuesto mínimo y en muy pocos escenarios, narra las relaciones de cuatro personajes que, ante una invasión alienígena en España, deciden quedarse escondidos en el domicilio de uno de ellos, el de una joven que dará cobijo a su compañero habitual, a un novio accidental con el que pasó la noche anterior a la llegada de los marcianos y a un vecino plasta enamorado en secreto de ella. La química que se desprende entre sus actores es uno de los ingredientes esenciales para que la fórmula funcione. Añádanle el toque surrealista de que en todo el metraje, aparte de visionar una única nave alienígena posada sobre el cielo, no se vea ni a un puto alien por las calles de una ciudad vacía. Un film ingenioso, capaz de acercarse a la ciencia-ficción más clásica desde un punto de vista distinto e innovador y contando con un grupo de brillantes intérpretes de entre los que destacaría a un contenido Julián Villagrán, a un imparable Carlos Areces y a una sorprendente Michelle Jenner. Una marcianada cachonda a ritmo de conspiranoias e historias de amor (de las posibles y de las imposibles). Personalmente, la disfruté como un enano.

Tras haber presentado la angustiante El Rey de la Montaña en el 2007, el madrileño Gonzalo López-Gallego regresa a Sitges con Apollo 18, un film rodado íntegramente en los EE.UU. y que, a modo de falso documental (y ya van tres por ahora), plantea la hipótesis de un accidentado viaje a la luna en 1972 cuyos resultados finales nunca fueron dados a conocer a la opinión pública, hasta que por fin se pudo acceder a las imágenes que del mismo atesoraban celosamente en la NASA. Iniciada siguiendo las claves del documental, la propuesta resulta interesante hasta que a López-Gallego se le olvida del juego sugerido y, aunque conservando el look de documental, cambia de tercio y entra en un crescendo melodramático más cercano al del cine de ficción que al de una crónica informativa, utilizando efectos de sonido e incluso una banda sonora musical acorde con la tensión que va acumulando la historia. Influenciado claramente por el Alien de Scott, se trata de un trabajo bienintencionado que termina desmoronándose debido a su truculencia narrativa.

Hasta aquí la séptima jornada. Mañana un poco más.

Por cierto, para ser totalmente sincero me olvidaba de un nimio detalle. Dos horas después de Extraterrestre, entré a un visionado de Carré Blanc, una coproducción europea dirigida por un tal Jean-Baptiste Léonetti sobre la deshumanización de la sociedad. Al cuarto de hora de proyección, su lento ritmo narrativo y sus pocas líneas de diálogo me llevaron a un profundo y dulce sueño que me transportó hasta lugares más apacibles. Creo que no fui el único en roncar en la amplia sala que conforma el Auditorio. Que la juzgue otro (que estuviera despierto) por mí. A lo mejor es buena y yo sin saberlo.

SITGES 2011: Jornada 6 (poltergeists caseros, apocalipsis dogmáticos, terrores coppolianos, machistas violentos y psiquiátricos abandonados)

2011-10-17T06:06:00.000+02:00

El martes empezó con Emergo, película catalana filmada en inglés que retoma una de las modas más reiterativas y cansinas desde que en 1999 se estrenara El proyecto de la Bruja de Blair. O sea, cámara en mano, en plan falso documental y a fingir que todo cuanto sucede es real. Dirigida por el barcelonés Carles Torrens, nos acerca a la investigación que un grupo de especialistas en temas paranormales lleva a cabo en un pequeño apartamento en el que se suceden todo tipo de poltergeists. A pesar de los intentos por darle algún que otro toque de originalidad, sobre todo en lo que hace referencia el aspecto psicológico de alguno de los afectados, la cinta cae desde su inicio en un pozo sin salida, dejando al espectador con la sensación de haber visto ya la misma película varias veces con anterioridad. Es una lástima que siendo su guionista Rodrigo Cortés (el artífice de la interesante Buried), la cosa se haya quedado en más de lo mismo. Cuatro sustos bien metidos (aunque previsibles) y para de contar.

A continuación llegó uno de los platos fuertes del festival, la Melancholia del polémico Lars Von Trier, una aproximación al cine apocalíptico totalmente distinta a lo que el fantástico actual nos tiene habituados. Narrada en dos partes bien diferenciadas, plantea la posibilidad de que un planeta (de nombre Melancolía) termine estrellándose sobre la Tierra. La primera parte, ambientada en el seno de una boda de la alta sociedad y filmada a través de una enérgica y temblorosa cámara en mano (muy en plan Dogma de los inicios), es en donde se localiza la vertiente más sarcástica y provocadora del realizador danés. Luego, pasados los efectos efervescentes y disfuncionales del bodorrio, la cámara y la historia se calman para adentrarse en una introspección psicológica de algunos de sus personajes aturdidos por la funesta perspectiva de encontrarse ante el fin del mundo. Film irregular, lleno de imáganes fascinantes y capaz de alternar momentos inolvidables (como su magnético prólogo o el inteligente uso de la música) con otros ciertamente aburridos. Posee, sin embargo, un cuarto de hora final ciertamente angustioso y devastador, así como uno de los the ends más radicales de la historia del cine; un desenlace que, por sí mismo, hace olvidar de golpe y porrazo los peores pasajes de un film de excesivo metraje. Nunca había visto a todo una platea enmudecer con tanta rapidez.

Francis Ford Coppola regresa al fantástico tras su estimulante Drácula y, a través de Twixt, se propone experimentar con formatos cinematográficos y con el espectador, a quien le toma el pelo con una historia imposible en la que un escritor de novelas de terror, caído en desgracia, se convierte en detective y, en sueños y con la ayuda del mismísimo Edgard Allan Poe, se dedica a resolver el asesinato de una joven en un pequeño pueblo al que ha acudido para presentar su última novela. Recupera a Val Kilmer (que el pobre está hecho unos zorros) y ofrece cinco escasos minutos rodados en 3D para -siguiendo con su bromita particular- justificar lo que se ha dado en llamar “3D interactivo”. Una especie de telefilme mal acabado y peor planificado del que sólo cabe destacar la presencia de Elle Fanning, una chica que está subiendo como la espuma. Dudo que ningún distribuidor se atreva a estrenar tal engendro. Que alguien le pague de una vez una cuarta entrega de El Padrino para que así nos deje de torturar con chorradas que no conducen a ningún lado.

The Woman nos acerca a un padre de familia, todo un machista en su proceder diario quien, tras cazar en un bosque cercano a una “mujer salvaje”, la encierra en un sótano de su propiedad y pretende “civilizarla” ante la desorbitada mirada de su esposa y sus dos hijos. Un film innecesario, de violencia extrema, reiterativo en su propuesta y que cuenta con un grupo de actores a cual peor. Una serie B, de tintes zetosos, difícil de digerir y con una sorpresa final en su haber que aún la hace más detestable y delirante. Dirige un habitual de Sitges, el californiano Lucky McKee bajo guión de Jack Ketchum; un aberrante y endeble guión que de forma alucinante ha sido premiado por el jurado oficial de esta edición.

La jornada terminó en sesión golfa con Grave Encounters, otra nueva vuelta de tuerca (y ya van dos el mismo día) sobre el falso documental y la cámara en mano. En este caso, se trata de la filmación de la interminable noche que un equipo de televisión vivirá en un hospital psiquiátrico abandonado al que acuden con la finalidad de grabar un nuevo episodio para un reality show sobre fenómenos paranormales. Un tanto más estremecedora y angustiante que el título de Carles Torrens, se pierde, sin embargo, cuando a media película da un paso adelante para otorgarle una perspectiva distinta a una historia que ya funcionaba por sí misma. Los amantes del gore disfrutarán de lo lindo con la matanza a palos y posterior ingesta de una rata. A los que no nos va tanto el género, se nos indigestó la cena por completo. Los debutantes The Vicious Brothers (¡vaya nombrecito se han buscado los tipejos!) son los responsables directos de la película y de su mala digestión.

En el próximo post, más sobre Sitges.

SITGES 2011: Jornadas 4 y 5 (vejestorios pervertidos, falta de agua, taxistas amarillos, amigos apocalípticos, tiendas brasileñas y vampiras feas)

2011-10-16T09:06:00.000+02:00

Sitges 2011 terminó ayer. Diez días agitados, llenos de proyecciones, fuera de casa y con el portátil escacharrado. Los premios, bastante justos en general, los pueden consultar en este link. Ahora, si me permiten, durante este y próximos posts, les iré informando de cuanto he visto a lo largo de un certamen que ha tenido un poco de todo: una especie de montaña rusa cinematográfica, con títulos brillantes y otros que, por lo que a mí respecta, guardaré en el olvido más absoluto de mi memoria. Pues nada, que reemprendo la información que dejé colgada en la tercera jornada.

El pasado sábado día 8, en sesión golfa, pude asistir al pase de Sudor Frío, una inmensa tontería de producción argentina dirigida por un tal Adrián García Bogliano. La cinta narra los avatares de un grupo de amigos que son atrapados en una vieja casona habitada por un par de ex miembros de la extinta Triple A, dos vejestorios perversos (uno de ellos incluso anda ayudado de un taca-taca) que se dedican a torturar a cuantos jóvenes secuestran con la ayuda de explosivos y ácidos corrosivos. Una locura sin pies ni cabeza, filmada con poquísimos medios, que intenta mezclar sin gancho alguno la comedia negra (o, mejor dicho, macabra) con el terror. Una pérdida de tiempo que sólo me sirvió para perder unas apreciadas horas de sueño.

El domingo 9 de octubre fue una jornada para mí casi en blanco. Cuestiones personales me obligaron a subir a Barcelona, con lo cual no pude ver ninguno de los títulos que se proyectaron en el certamen. De todos modos, por la noche, ya instalado en el lugar, asistí a un pase de Hell, una decepcionante cinta alemana que significa el debut como director de Tim Fehlbaum. Una más sobre el fin del mundo que, en este caso, se ve marcada por la escasez de agua en el planeta y que se inicia, al igual que otras de tema apocalíptico, como una road movie en la que tres amigos deciden escapar a las montañas en busca del preciado fluido. El problema es que, a media película, al tal Fehlbaum se le va la bola y cambia totalmente de tercio. Se olvida por completo de la falta de agua y entra de lleno en una especie de Matanza de Texas cuando sus protagonistas caen en manos de una familia de granjeros que practican el canibalismo. Un fiasco disperso, filmado a ritmo de video-clip, cuya única virtud reside en la de saber copiar a la perfección el trabajo de los demás. Eso sí: la fotografía, quemada por el sol y merecidamente premiada en el Palmarés de este año, está muy maja.

The Yellow Sea, un contundente thriller de factura coreana, despertó a todo el personal el lunes por la mañana. Dirigida por Na Hong-jin, el mismo de la estimulante The Chaser, narra la historia de un taxista chino que, en busca de dinero para pagar sus deudas de juego, acepta cruzar la frontera con Corea del Sur para cometer allí un asesinato. Una estupenda primera hora, con sorpresa incluida durante la escena del crimen, da paso a un film de acción visceral, filmado de modo vibrante (a veces, excesivamente vibrante), muy a lo coreano: o sea, hachazos a diestro y siniestro, tiroteos múltiples y persecuciones automovilísticas de alto nivel. Todo un entretenimiento que, sin embargo, no queda a la altura de la citada The Chaser.

Bellflower significó la pedantilla e insoportable nota a lo Sundance del festival. Ópera prima del norteamericano Evan Glodell, tiene como protagonistas a una pareja de amigos unidos por el afán de construir un automóvil a imagen y semejanza del usado por Mel Gibson en Mad Max; una amistad que, en parte, se verá truncada cuando uno de los dos encuentre al amor de su vida. Una historia anodina, en donde el “fantástico” brilla por su ausencia (a no ser por las breves referencias al cine apocalíptico) y cuya resolución final (¿o tendría que hablar de resoluciones?) resulta casi imposible de entender. Curiosa la cara de pasmarote con la que quedamos la mayoría de asistentes al pase.

Si no quieres caldo, dos tazas. Primero fue Bellflower la que nos descolocó y luego le tocó el turno a la brasileña Trabalhar Cansa, un producto que llegaba al festival precedido de la buena prensa que obtuvo en Cannes (en definitiva, un mal augurio) y que, a modo de sátira social, entraba de lleno en la vida de una familia cuya mujer, para paliar el estado de desempleo de su marido, decide abrir un supermercado que tan sólo le acarreará más quebraderos de cabeza. Dotada de un leve (¡levísimo!) toque fantástico, la cinta navega entre la comedia surrealista y el melodrama con apuntes críticos, sin centrarse en ninguno de los dos campos. Una tomadura de pelo que consiguió que siguiéramos conservando la misma cara de pasmarote. Trabajar cansa, es cierto... pero aún cansa más asistir a una proyección de Trabalhar Cansa.

The Moth Diaries, el nuevo film de la directora de American Psycho, Mary Harron, está ambientado en el seno de un internado femenino en donde una de sus alumnas, marcada por el suicidio de su padre, empezará a sospechar la posibilidad de que una de las nuevas compañeras de la escuela sea un vampiro. ¿Realidad o simplemente los delirios de una mente enferma? Llena de referencias al Drácula de Bram Stoker, aunque incapaz de respetar las normas imperantes en el género vampírico, se trata de un producto de correctísima factura visual, lleno de truculencias e irregularidades en su guión. Una película fallida, tramposa y previsible que, sin embargo y debido al morbo de algunas de las situaciones planteadas, rompió un tanto con el amuermamiento general provocado por los dos títulos anteriores. Lástima que la teórica vampira resulte de lo más feucha.

En próximos e inminentes posts les seguiré informando sobre lo que ha sido este Sitges 2011. Permanezcan atentos a sus pantallas y no me cambien de canal.

SITGES 2011: Jornada 3 (divorciadas acosadas, conserjes perversos y damiselas enamoradas)

2011-10-09T11:02:00.001+02:00

Da la impresión que la crisis no afecte directamente al público de Sitges 2011. Hacía tiempo que no veía las sesiones tan abarrotadas de público como en esta edición. Todo un éxito para el equipo capitaneado por Ángel Sala.

Anteayer cerré la jornada cinematográfica asistiendo a uno de los pases de The Caller, una coproducción entre Gran Bretaña y Puerto Rico dirigida por el debutante Matthew Parkhill. Un thriller fantástico en el que se mezclan bucles temporales, muertes extrañas y el acoso telefónico a una mujer que está pasando por un proceso de divorcio un tanto traumático. Las ansias del tal Parkhill por resultar más original que nadie, hacen que la trama que quiere colar al espectador resulte totalmente inconsistente, por no decir imposible. De nada sirve que logre un par de escenas inquietantes a lo largo de su proyección, pues el guión que las ampara no se puede pillar por ninguna parte. Suerte tiene el hombre del buen hacer de Rachelle Lefevre, su protagonista femenina sobre la que recae el mayor peso de la historia, y de contar con la presencia de gente como Stephen Moyer (el vampiro guapito de la serie True Blood) o el gran Luis Guzmán. A pesar de tener preparado ya el guión de una secuela, es un título a olvidar.

Otra historia es la que nos despertó ayer por la mañana, la esperada Mientras Duermes de Jaume Balagueró, un espléndido thriller que retrata la maldad en estado puro a través del personaje interpretado por un Luis Tosar fuera de serie: César, el conserje de un inmueble del eixample barcelonés que encuentra placer amargando la vida, de forma sibilina, a aquellos que le rodean y que está empeñado en borrarle la sonrisa del rostro a una de las inquilinas del edificio. Cínica y milimétricamente construida, Balagueró coloca un marcado acento al suspense con que se acerca a las escaramuzas del perverso César. Repite, como en [Rec], metiendo la cámara en una comunidad de vecinos, aunque en esta ocasión su sentido del humor sea un pelín más enfermizo. Cercana en ciertos aspectos a La Víctima Perfecta (aunque mejorando lo presente), se trata de una cinta ciertamente aterradora por lo que tiene de cercano y cotidiano el portero al que da vida Tosar, intérprete sin el cual la película no habría sido lo mismo, ya que le otorga a su personaje una entidad especial, casi cautivadora. ¡Cómo me gustan los malos malosos! Todo un festival del actor al que hay que añadir el morbo de ver a Marta Etura, su pareja en la vida real, metida en el pellejo de su principal víctima propiciatoria. Un Balagueró maduro que, por temática y ubicación física, haría las delicias del mismísimo Roman Polanski.

En la sección Panorama tuvimos que sufrir la nula trascendencia de Jane Eyre, un nuevo e innecesario remake de la inmortal novela de Charlotte Brönte llevada a cabo por Cary Joji Fyukunaga, un californiano (con nombre de japo) que desde Gran Bretaña ha apostado por resaltar las partes más sensibleras de la historia, olvidando erróneamente ese tono fantasmagórico y gótico que lucía el texto original o, sin ir más lejos, la brillante versión que en 1943 firmara Robert Stevenson y que se estrenó en España bajo el título de Alma Rebelde. Y es que esta nueva revisión, aparte de plana, se me antoja de lo más tedioso; una especie de telefilme sin ningún tipo de sustancia.

Les dejo. Hay más cosas que ver. Si el tiempo y la autoridad lo permiten, les seguiré informando. Manténganse a salvo y no confraternicen demasiado con su portero. Nunca se sabe por dónde van a salir los tiros.

SITGES 2011: Jornadas 1 y 2 (de robots, virus, alienígenas, talibanes, hombres lobo y hombres del saco)

2011-10-07T20:39:00.000+02:00

Sitges 2011 abrió ayer noche sus puertas con la película catalana Eva, una cinta ambientada en un futuro inmediato en donde los humanos conviven codo con codo con robots. El trabajo del debutante Kike Maíllo indaga en los sentimientos más íntimos de un ingeniero cibernético que, tras regresar a su ciudad natal para colaborar en la creación de un autómata que posea el alma de un niño, deberá iniciar la búsqueda del pequeño que resulte más adecuado para transferirle sus emociones a la nueva criatura. Técnicamente impecable, se pierde sin embargo en un sinfín de reiteraciones y tiempos muertos que no conducen a ninguna parte. A pesar de sus buenas intenciones, resulta una historia de lo más previsible. Atención a la excelente labor interpretativa de Daniel Brühl, a la siempre impecable Marta Etura y al descubrimiento cinematográfico de la joven Claudia Vega. Por el contrario, a Lluís Homar le ha tocado cargar con el peso de un papel de lo más pésimo y ridículo: un androide con funciones de “chica para todo”.

Aparte de Eva, la jornada de ayer transcurrió dentro de los cánones previstos: sin grandes sorpresas pero dentro de una corrección más que notoria. Contagio, el nuevo film de Steven Soderbergh, ha resultado ser algo inferior a los buenos augurios que presentaba. A modo de docudrama y centrándose en diversos focos y personajes, la cinta indaga en los efectos que causa en la población mundial un virus letal. Unos quince minutos iniciales de antología y dotados de un magnetismo inusual, dan paso a un producto mucho más estándar y en ciertos aspectos en exceso acomodaticio. El estupendo trabajo de sus numerosos actores (de entre los que destacaría a Gwyneth Paltrow y Kate Winslet), la minuciosidad de su montaje y el nervio con que se enfrenta a su vibrante prólogo, contrastan con el desprecio con el cual trata a las redes sociales (y a un alarmista blogger en concreto) y con la preocupante forma de perder gas en su segunda mitad.

El descubrimiento de Attack The Block, planteando una invasión alienígena en uno de los barrios suburbiales de Londres (los mismos que hace poco protagonizaron serios incidentes callejeros en la vida real), ha sido una de las “sorpresas” cantadas de la primera jornada. Delirantemente divertida, acelerada y dotada de un sentido del humor ciertamente socarrón, provocó las delicias de una platea entusiasmada por el planteamiento urbanita y cachondo de su realizador, el británico Joe Cornish, un actor, guionista y director de televisión que debuta en el mundo del cine con este título. Si Ken Loach juntara su cine social con la ciencia-ficción más pasada de rosca, saldría una rareza al estilo de este film. Atención a uno de los jóvenes de color protagonistas, John Boyega, calcadito a Denzel Washington en sus años mozos.

Aburrida hasta la médula resultó Essential Killing, una producción polonesa de 2010, dirigida por Jerzy Skolimowski (el mismo broncas de El Año de las Lluvias Torenciales) y protagonizada por Vincent Gallo. Parca en palabras y capaz de alargar una situación única hasta límites insospechados, narra la caza y posterior huida de un talibán que, en su escapada, vivirá un muy particular viaje interior. Como El Fugitivo pero en versión “colgada”. Personalmente, fui incapaz de soportar su metraje íntegro y practiqué mi propia deserción.

Esta mañana Sitges ha amanecido con Lobos de Arga, una comedia minúscula ambientada en un pueblecito recóndito y ancestral de la Galicia profunda sobre el que pesa una oscura maldición gitana. Su director, Juan Martínez Moreno, no ha sabido estar a la altura de sus dos trabajos anteriores, Dos Tipos Duros y Un Buen Hombre, apostando por una comedia tontorrona y vacía más cercana en intenciones (no en resultados) a su primer título. Hombres lobos, escritores fracasados y pueblerinos cazurros se mezclan en una historia ya vista anteriormente en centenares de ocasiones. A destacar el divertido trabajo de Carlos Areces (este tipo está que se sale) y la fuerza de un gag que, protagonizado por un dedo cercenado, es capaz de levantar en la sala sonoras carcajadas.

A pesar de estrenarse hoy en toda España, también se ha presentado en el certamen Intruders, la nueva película de Juan Carlos Fresnadillo, todo un especialista en el género tras Intacto y la celebrada y trepidante 28 Semanas Después. Protagonizada por un sobrio Clive Owen y Pilar López de Ayala, entre otros, el realizador tinerfeño habla de herencias emocionales y entra a saco en el universo de los terrores infantiles. De factura impecable, la película se apoya en un inquietante y sólido guión y en una puesta en escena excelente y llena de pasajes ciertamente estremecedores. Nunca con anterioridad el “hombre del saco” había llegado tan lejos. Lo mejor y con diferencia, hasta el momento, del festival.

Les dejo. Mucho me temo que esta será una noche pasada por agua. Cosas de Sitges. Seguiré informando.

SITGES 2011: A la vuelta de la esquina

2011-10-04T20:30:00.006+02:00

Dos son las imágenes que este año presidirán la 44ª edición del Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya – Sitges 2011: un androide masculino y uno femenino ya que, entre otros temas, la inteligencia artificial será uno de los motivos principales de un certamen que despega el próximo jueves, pasado mañana, para cerrar sus puertas diez días después, el 16 de octubre.

Eva será la cinta de apertura, un prometedor título que, dirigido por el debutante Kike Maillo, va ligado claramente a la A.I. Inteligencia Artificial de Steven Spielberg, película que también tendrá su oportuna revisión. The Thing, la esperada precuela del film de John Carpenter, será la encargada de cerrar un festival lleno de productos a priori ciertamente interesantes.

Contagion, de Steven Soderbergh; el Intruders de Fresnadillo; la nueva de Balagueró, Mientras Duermes; la Melancholia del polémico Lars Von Triers o Burke and Hare, una comedia firmada por John Landis sobre el par de míticos ladrones de cadáveres del Edimburgo del siglo XIX, son sólo algunas de las muestras más tentadoras de una edición que además contará con productos de gente tan estimulante y adicta al festival como Abel Ferrara, Kim Ki-duk, Nacho Vigalondo, Takashi Miike, Kevin Smith o de todo un clásico como Monte Hellman, entre otros.

A medida que pueda, como cada año y una vez iniciada la función, les iré informando de cuanto vaya sucediendo por la atractiva localidad de Sitges. Mientras, si desean información más detallada sobre la programación, pulsen sobre este enlace.

Por cierto, ¿no les dan cierta grima los dos cartelitos de marras?

Aterroriza como puedas

2011-10-03T12:10:00.000+02:00

Chris Morris debuta en la dirección cinematográfica con Four Lions, una comedia altamente arriesgada en la que se retratan las aventuras y desventuras de una célula terrorista islámica en tierras británicas. Y digo arriesgada porque, con los tiempos que corren, hay que ser muy valiente para tomarse a cachondeo el tema del terrorismo yihadista.

Cuatro terroristas, a los que posteriormente se les une un quinto, se disponen a perpetrar una masacre en la ciudad de Londres. No tienen muy claro ni su objetivo ni el modo de llevarlo a cabo. La verdad es que las mentes de los integrantes del grupo no dan para mucho pero, a pesar de ello, se muestran dispuestos a llegar muy lejos en sus propósitos.

Campos de entrenamiento, manipulación de explosivos, discusiones sobre su doctrina, técnicas de inmolación, cuervos adiestrados... un poco de todo al servicio de unos personajes que parecen escapados del Dos Tontos Muy Tontos de los hermanos Farrelli. Y todo ello ideado por el tal Chris Morris, un hombre formado durante veinte años en el mundo de la radio y la televisión y que ahora, con este su primer largo, se atreve a lidiar de forma satírica y vitriólica con un tema que nadie se había atrevido a tratar con anterioridad de manera tan disfuncional.

Four Lions se muestra perspicaz en la descripción de sus personajes principales. Cuatro rasgos son más que suficientes para definir a los integrantes de la troupe. El más inteligente de ellos, el líder de la causa, no sabe ni liar la o con un canuto. Imagínense al resto de la célula. Ciertamente delirante.

Una cinta jocosa, distinta y osada que incluso, durante sus últimos quince minutos y después de deleitarnos con un montón de gags a cuál más divertido, se muestra capaz de dar un inteligente giro hacia la tragicomedia sin olvidar su temerario tono satírico. Pocas comedias con tanto espíritu crítico y políticamente tan incorrectas aterrizan habitualmente en nuestra cartelera. Y cuando lo hacen, como en este caso, se estrenan mal y en poquísimas salas. Apúntensela y no la dejan pasar de largo.

La habitación del pánico

2011-09-30T13:30:00.000+02:00

La Cara Oculta significa el segundo largometraje del colombiano Andrés Baiz tras Satanás, su contundente y sombría ópera prima. Mucho más abierta y menos vitriólica que ésta, hace gala del suspense del cine de Alfred Hitchcock como gran referente.

Filmada en su mayor parte en Colombia y contando con una localización casi única -una inmensa y solitaria mansión en medio de la nada-, la película mezcla en su tensa historia una serie de elementos a cuál más inquietante. Como escenario principal, una especie de habitación del pánico construida por un nazi que vivía refugiado en el país. Como excusa argumental, los movimientos de un director de orquesta español que, tras ser abandonado por su compañera habitual, inicia una nueva relación con una bella camarera.

Nada es lo que en un principio da a entender. Ni su antigua compañera está tan desaparecida como todo parece indicar, ni su nuevo amor resulta tan angelical como lo pintan. Las apariencias engañan. Y para sacar a flote todo ello y la maldad de ciertos personajes, allí está la maquinaria perfectamente engrasada por el ingenio (un tanto perversillo) de Baiz.

Narrada en tres claras partes, plantea su segundo acto como un flash-back que revisita todo cuanto ha visto el espectador hasta el momento, aunque desde un punto de vista distinto en el que la claustrofobia cobra una importante relevancia como ingrediente distorsionador. Una importancia que sigue manteniendo en la tercera pieza, momento en el que la historia sube de nivel unos cuantos peldaños, entrelaza sin estridencias ambos puntos de vista y plantea una nueva y aún más turbadora situación.

Un admirable título que conjuga varios aciertos en su haber, desde el excelente trabajo de sus dos actrices principales (Martina García y Rosa Lago), pasando por la vibrante música del argentino Federico Jusid disfrazado de Bernard Herrmann, hasta el agobiante y malsano clima que se desprende de la trama propuesta; una trama mínima, de tono intimista, en la que casi no chirría ni un engranaje, a excepción de la excesivamente hermética interpretación de Quim Gutiérrez.

Es una lástima que su trailer promocional sea tan explícito.

Sospecha + Rebeca + La Habitación del Pánico + Buried = La Cara Oculta.

La caja de Pandora

2011-09-28T09:13:00.000+02:00

Enrique Urbizu, tras el paréntesis que supuso la interesante La Vida Mancha, con No Habrá Paz Para los Malvados regresa al género que más domina: el cine negro. Y lo hace a través de un personaje único, Santos Trinidad, un policía cincuentón, quemado en su profesión y en su vida privada, que durante una noche de borrachera acaba con la vida de tres personas en un puticlub.

Al igual que en La Caja 507, de un hecho aislado se pasa a un entramado mucho más oscuro y peligroso. Sólo es cuestión de abrir la caja de Pandora y dejar que salgan los truenos. Si en La Caja 507, el atraco a un banco de la Costa del Sol ponía de manifiesto una trama de corrupción urbanística a altos niveles, en No Habrá Paz, la búsqueda por parte de Santos del único testigo de su matanza le conducirá hasta un asunto que podría hacer peligrar la seguridad nacional.

No Habrá Paz Para los Malvados posee un inicio magnífico y visceral, capaz de captar la atención del público en todo cuanto acontece a continuación. Es cierto que, a pesar de seguir manteniendo el interés, la fuerza de su prólogo se desvanece un tanto en la intrincada batida de Santos y en la investigación paralela que realiza una juez para descubrir al autor del triple asesinato. Una carrera a contrarreloj, la de ambos, que les conducirá hasta un mismo e impensado punto. Un camino tortuoso que el realizador vasco retrata sin prisa pero sin pausa.

Urbizu, con la ayuda de Michel Gaztambide, su guionista habitual, ha urdido un argumento preciso, sin lagunas. No muestra del todo sus cartas. Incluso oculta algunas. Sencillamente, deja que el espectador las intuya y vaya descubriendo, poco a poco y por sí mismo, lo que se esconde tras las pesquisas de un personaje al límite al que un José Coronado en estado de gracia le otorga una entidad muy especial; un actor a mi gusto de registros muy limitados que, sin embargo, siempre ha estado magnífico en el cine de Urbizu. Tanto es así que, en esta ocasión y cargando con un rol resbaladizo, logra meterse al público en el bolsillo.

Si les va el género negro, no la dejen escapar. Acérquense a ella, descubran escalofriantes similitudes con el 11-M y disfruten de esos tres planos consecutivos, cargadísimos de mala leche, con los que cierra la historia. Para poner los pelos de punta.

Palma de Oro en Cannes... ¡Mandan cojones!

2011-09-26T09:35:00.000+02:00

En El Árbol de la Vida, Terrence Malick, haciendo gala de su fama de tipo extraño, ha urdido un tostón de película tras la que, aprovechando el retrato de una familia tejana de los años 50 compuesta por un matrimonio y tres hijos, se esconde un abusivo dechado de teología de mercadillo mezclado con unas gotas visuales a lo National Geographic (incursiones digitales incluidas). En primer plano, una única idea: Dios existe, es bueno y no nos saca ojo de encima. En segundo plano, como reclamo comercial a tanta colgada, Brad Pitt sobreactuando y metiendo cara de subnormal, que para eso también ejerce de productor.

Malick está empecinado en vendernos la moto, cueste lo que cueste. Mezcla los pensamientos de los integrantes de la familia con sus particulares conversaciones con ese Dios que tan obsesivamente quiere idealizar, todo ello a ritmo de machaconas y cansinas voces en off. Habla de la muerte, de la naturaleza en relación al hombre, de la Tierra (en abstracto), del amor, del odio, de los celos y, ante todo y a través de la imagen de un padre intolerante, de la eterna lucha entre el bien y el mal. En realidad, no ofrece nada nuevo. Otros cineastas, menos petulantes y de forma más abierta, nos han contado historias similares y con mejores resultados. Pero, atención, ésta lleva el sello de autor en la frente.

Sus mínimas líneas de diálogo suenan a reiterativas. Desde el primer minuto, El Árbol de la Vida entra en un ofuscado círculo vicioso del que le resulta imposible salir. Dios es amor. Y punto. No hay tu tía. La cinta queda encallada en ese concepto, no avanza más allá.

Como el hombre sabe poner muy bien la cámara, se recrea en imágenes plásticamente atractivas. El modo visual de acercarse a los años 50 y a la evolución de la familia protagonista, demuestran el buen hacer como cineasta de Malick. Pero aquí se queda. El problema estriba en su cansina narrativa, capaz incluso de insertar (por sus huevos) imágenes salidas de documentales de La 2 para crispación de buena parte del público. ¿Provocación o delirios de grandeza? De un modo u otro, ha de demostrar que lo suyo sigue cine de autor. Pese a quien pese.

Con tanta dispersión narrativa, deja incluso de culminar situaciones bien planteadas y se olvida totalmente de la presencia del hijo mediano, personaje que queda totalmente desdibujado en pos de múltiples pajas mentales. Lo suyo es irse por los cerros de Úbeda y sumergirse en la mística y en las ensoñaciones de una madre que parece escapada de una película de Bergman y en los miedos de un hijo mayor que teme convertirse en un déspota como su padre; hijo que, en su edad adulta y de forma bastante breve, está representado por un Sean Penn que no parece muy cómodo en el papel que le ha caído en desgracia.

En Cannes, seducidos por tanta pedantería, va y le enchufan la Palma de Oro. No hay como apellidarse Malick.

La profesional

2011-09-23T12:22:00.000+02:00

Colombiana, la nueva película de Olivier Megaton, bien podría tratarse de un cruce entre una secuela de El Profesional (León) y una extensión de Nikita. De hecho, uno de sus guionistas y productor es Luc Besson, el artífice de los dos títulos citados y que, en sus diferentes facetas como cineasta, siempre ha seguido acercándose al universo de ambos personajes de modo obsesivo.

La cinta arranca, como en El Profesional, con el asesinato en Colombia de los padres de la pequeña Cataleya, una niña de nueve años que, con el paso de los años y trabajando en Nueva York como sicaria al servicio de un pariente mafioso, urdirá una venganza para acabar con la vida de aquellos que segaron la de sus progenitores. Un argumento manido aunque al servicio de un producto efectivo y altamente entretenido, tras el que se esconde una posible lectura sobre el futuro de Mathilda, el personaje que en El Profesional interpretaba una incipiente Natalie Portman.

Parece increíble que un tipo que se apellide Megaton demuestre tanto oficio a la hora de ponerse a filmar escenas de acción. Y es que en este aspecto el film funciona a la perfección, mostrándose elegante en sus movimientos de cámara y en su meticuloso montaje. Atención a un par de pasajes ciertamente bien resueltos: uno en el interior de una comisaría, lugar en el que Cataleya debe realizar uno de sus mortales encargos y, el otro, durante una pelea, cuerpo a cuerpo, en el interior de un lavabo y con la presencia de un pérfido Jordi Mollà.

A falta de chicha argumental, déjense llevar por la fuerza de sus escenas y, ante todo, por la turbadora presencia de una contundente Zoe Saldana embutida en ropas ceñidas, lo mejor sin lugar a dudas de Colombiana. Un entretenimiento garantizado que, sin embargo, bebe y copia de demasiados referentes.

John Wayne alucinaría pepinillos

2011-09-21T08:39:00.001+02:00

Cowboys & Aliens es el nuevo film de Jon Favreau, el mismo de los dos Iron Man, lo cual, de entrada, ya no otorga grandes perspectivas. Producido, entre otros, por Ron Howard y Steven Spielberg y basado en la novela gráfica de Fred Van Lente y Andrew Foley, acerca al espectador, tal y como su título indica, a un cruce entre el western y el cine de extraterrestres.

Lo que podría haber sido un trabajo más o menos original, se queda en una cosita mínima, olvidable. Básica, básica, basica. Cowboys & Aliens no va más allá de su propio título. Vaqueros y extraterrestres, Un amplio y a priori atractivo casting al servicio de la nada absoluta. Y es que el amigo Favreau no da para mucho.

Su inicio es el típico y tópico del western de toda la vida. Forastero, en este caso amnésico y con una extraña pulsera en su muñeca izquierda, llega a un pequeño y desolado pueblo, de nombre Absolution, en el que no se siente bien recibido. Allí, un viejo coronel yanqui reconvertido en ganadero, se ha convertido en el prepotente amo del lugar. Cuatro sorpresas (lo de "sorpresa" es un decir) en cuanto al personaje del forastero y su relación con el ganadero, intentan animar la función. De repente, cuando los guiños al cine del oeste se han agotado, la cosa da un giro y entran en escena un montón de naves extraterrestres que se dedican a secuestrar a los habitantes del lugar.

La fiebre del oro acaba de empezar. Y es que a los alienígenas les va más el oro que a un tonto un chupa-chups. Lo suyo es regresar a su planeta provistos de grandes cantidades del metal preciado, cueste lo que cueste. Pero para eso, para impedírselo, allí está el desmemoriado del Daniel Craig y el yayo del Harrison Ford, pareja a los que se une Olivia Wilde, la enfermiza 13 del doctor House, en un papel (en realidad un "papelón") de lo más estúpido. James Bond e Indiana Jones unidos gracias a los alucinados designios de Favreau, Howard y Spielberg.

Muchos efectos especiales y ninguna consistencia argumental. El guión brilla por su ausencia. Los personajes no tienen entidad alguna. Lo único que llevaba entre ceja y ceja el Favreau era aglutinar los tics de uno y otro género y agitarlos como si se tratara de un cocktail. Ahora unos indios por aquí, ahora una batería de efectos por allá. De historia nada, cero. La gran marcianada. Y digo yo: si lo que buscan es oro, ¿para que narices raptan a los habitantes de Absolution?

Una inmensa tomadura de pelo que, a buen seguro, bajo los auspicios de la serie B y con otro director más espabilado, hubiera obtenido mejores resultados.

El actor que surgió de la revolución

2011-09-17T06:02:00.001+02:00

Jordi Dauder, uno de los actores catalanes más prestigiosos y populares, nos abandonó ayer a los 73 años de edad. Un hombre comprometido en temas políticos, activista de izquierdas, que antes de subirse a los escenarios en nuestro país pasó 15 años exiliado en París, lugar en el que, a través de distintos movimientos sociales, estuvo involucrado en la revuelta del mayo del 68.

Escritor, poeta, actor, doblador y director de doblaje. El cine, la televisión y el teatro siempre contaron con él. Una actividad, la de actor, que no empezó a ejercer de modo profesional hasta los años 80, época en la que regresó del exilio.

Hace un par de años, durante un homenaje a su carrera que le rindió el Fecinema (Festival de Cinema Negre de Manresa), tuve el honor de compartir mesa con él en varias ocasiones. Allí descubrí que se trataba de un hombre afable y conversador, alejado totalmente de aquellos personajes un tanto pérfidos en los que se le había encasillado. A propósito de este tema, nos contó la anécdota de una mujer que le espetó tal encasillamiento. “No, señora, no siempre” fue su respuesta, irónica y con sentido del humor, “en Camino interpreto a un sacerdote”.

Ayer su muerte me pilló desprevenido. Aún le recuerdo con cariño durante esos días por Manresa, lugar en el que, cada vez que se cruzaba conmigo, me soltaba el siguiente requerimiento: “Tu, noi, dona’m una cigarreta”. Nunca antes un gorrón me había caído tan bien. Y más si me pedía el cigarrillo con idéntica entonación a la de Nick Nolte o Gregory Peck, actores a los que puso su voz en más de una ocasión.

Jordi, descansa en pau.

No desearás al vecino de al lado

2011-09-14T08:02:00.000+02:00

En 1985 debutaba tras la cámara Tom Holland con Noche de Miedo, una comedia fantástica que enfrentaba a un joven estudiante con su nuevo vecino, un vampiro que le traía por el camino de la amargura. Sus guiños a los Dráculas de la Hammer, su sentido del humor y la presencia de un divertido Roddy McDowall en el papel de un muy peculiar cazador de vampiros, hicieron de éste un film apreciado tanto por la crítica como por el público.

Revisándolo el pasado sábado descubrí que su gran problema es que, visto hoy en día, no hay por donde pillarlo, pues su guión patina por todas partes. Es uno de esos títulos que no aguantan el paso del tiempo, lo cual ha hecho mucho más factible la aparición de esta nueva versión de la que se ha encargado Craig Gillespie, el realizador de la controvertida Lars Y Una Chica de Verdad.

La Noche de Miedo del 2011 sigue, con alguna que otra variación, las pautas de la cinta original. Varía algunos conceptos, lima asperezas y, ante todo, elimina ese toque simplón (y hasta por momentos ridículos) que adornaba la mayor parte del metraje del trabajo de Holland. Introduce nuevos elementos (como una sorprendente persecución automovilística nocturna) y cambia, casi por completo, el espíritu de Peter Vincent, ese extraño cazador de vampiros al que en el film del 85 daba vida Roddy McDowall. Es quizá en este punto en donde, en comparación, más flojea el remake ya que, mientras el personaje de McDowall era posiblemente lo más atractivo y divertido de la entrega original (un actor de películas de terror de serie B venido a menos), el actual es un esperpéntico mago borrachuzo y engreído al que David Tennat le otorga muy poca entidad.

Colin Farell, en la piel del vampiro Jerry, se muestra mucho más inquietante y creíble que Chris Sarandon, su antecesor en el papel y poseedor de una breve aparición en esta versión. De él conserva algunos tics y detalles, como su pasión por las manzanas, pero al mismo tiempo se deshace de esa variante más chiripitifláutica con la que el actor afrontó su rol.

Un entretenimiento correcto que, sin embargo y como es habitual en este tipo de productos, se muestra renqueante en su exageradísima y cansina apoteosis final, en donde los efectos especiales privan más que la propia historia.

Atención a la aparición del joven Christopher Mintz-Plasse, uno de los actores fetiches de la factoría Apatow y que en esta ocasión, fiel a su estilo freaki, ejerce de obsesivo e incauto cazador de vampiros.

EN RESUMIDAS CUENTAS: Un güestern, una cena y una boda

2011-09-09T10:45:00.000+02:00

Blackthorn significa el regreso tras la cámara, después de una década de inactividad, de Mateo Gil, aquel apadrinado de Amenábar que debutará en 1999 con la efectiva Nadie Conoce a Nadie. Ahora lo hace a través de un western un tanto mimético y cerrado, de aquel tipo de trabajos que encantan a la crítica e irritan a la mayoría de espectadores. En él recupera la figura del mítico Butch Cassidy emparejándola con la de un joven ingeniero español que, instalado en las Américas, acaba de robar en la mina de un reconocido empresario boliviano.

La historia no es que dé para mucho. Lo de resucitar a Butch Cassidy y negar que muriera tiroteado en Bolivia al igual que su compinche Sundance Kid, tiene su gracia. Su cuidada realización, su modélica puesta en escena y un espléndido Sam Shepard se alzan como lo mejor de un western con vocación gafapastosa. Lento, aburrido y reiterativo cuenta, además, con la irritante presencia de un edulcorado Eduardo Noriega. Imprescindible verlo en su versión original subtitulada. Supongo que doblado aún resulta más decepcionante.

Cena de Amigos es una bienintencionada película francesa, muy en la línea de Pequeñas Mentiras Sin Importancia, que retrata el encuentro de un grupo de amigos en el que ninguno de ellos está realmente en el estado moral y psíquico que aparenta antes los demás. Las falsas apariencias y la hipocresía harán mella en la que tenía que ser una agradable cena.

Dirige Danièle Thompson y cuenta con la presencia de nombres tan efectivos como los de Patrick Bruel, Emmanuelle Seigner (que mayorcilla empieza a estar la mujer) o, entre otros, un mayúsculo Dany Boon que, alejándose de los papeles astracanados a los que nos tiene acostumbrados (Bienvenidos al Norte, Micmacs), sorprende con la construcción de un personaje mucho más directo y emotivo. Una comedia satírica, muy efectiva y de marcado tono melodramático. Maneja con sabiduría el juego de las emociones y, con él, se monta su muy particular ¡Qué Ruina de Función! (Noices Off...) al mostrar al espectador las bambalinas de la vida misma.

La Boda De Mi Mejor Amiga es uno más de aquellos films que, en su título, se aloja la palabra “boda” generalmente acompañada del sustantivo "amigo", "amiga" o de derivaciones de todo tipo y que, en muy poco, se diferencia de éstos. Quizás, en esta ocasión, su primera parte se desmarca de otras cintas similares gracias al personaje al que da vida una divertida Kristen Wiig quien, con sus acciones políticamente incorrectas, logra llamar la atención de los más gamberros de la platea. Ella interpreta a Annie, una joven cuya vida está resultando un desastre a todos los niveles y que tendrá que ejercer de dama de honor en el día de la boda de su mejor amiga.

El irreverente planteamiento del film (totalmente cercano a las coordenadas del universo de Apatow, su productor, aunque en versión femenina), su perversa vena escatológica y el buen ritmo de comedia que consigue, se deshinchan en su recta final, en donde el tono hilarantemente blasfemo que destilaba se transforma en un caramelo no apto para diabéticos. Sin ese cambio tan tópico y ajustando su desorbitado metraje (125 minutos), seguramente podría haber sido una comedia mucho más aceptable... aunque sólo fuera por el buen hacer de una imparable Wiig quien, curiosamente, también ejerce de guionista al lado de Annie Mumolo.